FATA MORGANA GALERIE
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      Romantic Offenders - Photographien
 
                                                                                       
                                                                                          2. - 13. September 2020

                                                                 Eröffnung Mittwoch 2.September 18.30 Uhr
           
​                                              
M.A Littler   &   Django's Flying Portrait Machine
  

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​ M.A Littlers Fotografien dokumentieren den sinnlich erfassbaren, erfahrbaren Resonanzraum, der an der Schnittstelle zwischen menschlicher Wahrnehmung und mythologischen Strahlkraft entsteht, dem genius loci. Sie sind eine geo-psychologische Reise. Landschaften werden zu einer Echokammer des Inneren, spiegeln die Prozesse des Seins in all seiner Widersprüchlichkeit und Geworfenheit. Ihrer entrückten Schönheit haftet der Nimbus einer post-zivilisatorisch­en, einer ursprünglichen Welt an.
„Ich werde von archaischen Landschaften und den Elementen angezogen. Ich fühle mich dort heimisch, wo die Werke des Menschen vollkommen unbedeutend werden. Der Ozean. Wälder. Wüsten. Berge. Ich bin ein Wanderer. Mein Zuhause ist die Idee. Ich befinde mich immer auf Reise. Die Landschaften, die mich zu meinen Filmen, meiner Literatur und meiner Fotografie inspirieren, sind sowohl Topographien des Ortes wie auch des Geistes, sie bedingen einander‎."


www.slowboatfilms,com

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Django's Flying Portrait Machine ist mobile Großformatfotografie in der Tradition der Bildnisfotografie des 19. Jahrhunderts wie sie auf Jahrmärkten zu finden war aber ebenso in den klassischen Fotostudios mit ihrem Aufbau von Licht und Hintergründen.
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Die Bilder entstehen vor Ort, sei es im Freien oder in einem Lokal, auf einem Festival oder in einer Galerie. Jeder, der ein Portrait wünscht, ist gebeten Platz zu nehmen vor einer fast 100 Jahre alten Fachkamera mit Mattscheibe und Balgen. Django richtet die Aufnahme ein, bestückt die Kamera mit der Kassette, zieht den den Schieber aus der Kassette, der das analoge Fotomaterial vor dem Licht schützt und bittet um etwa eine Sekunde Haltung. Den Drahtauslöser in der Hand löst er die Belichtung aus und das langsame Schnappen des Compur- Verschluß beendet die Aufnahme.
Das Bild wird sofort in der mobilen Dunkelkammer mit fotochemischen Verfahren entwickelt, dabei entsteht ein Negativ, das auf ein Positiv umkopiert wird. Keine zwanzig Minuten vergehen und das fertige Portrait kann in die Hand genommen und betrachtet werden.
Dabei ist es nicht allein die Revitalisierung alter Technik, was diese Bilder besonders macht. Es ist die Konzentration zwischen den Portraitierten und dem Fotografen, welche diese Bildnisse unwiederholbar werden läßt. Die Bereitschaft der Portraitierten, sich in der Zeitspanne einer Sekunde auf den fotografische Blick Django's einzulassen, und seine Fähigkeit, diese besondere Situation zu nutzen, läßt Bilder entstehen, die über den bloßen Moment der Aufnahme weit hinausgehen.
Zoltán Papst,  8/2016

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​Kuratiert von  Konstantin Kopietz


JULIEN MENAND


​Entartete Kunstfotografie

 
​Beyond anecdotal descriptiveness - RY series                          


     
​       16. - 25. September ​ 2020             
       
Eröffnung / Opening : 16.September    18 Uhr


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JULIEN MENAND

​Born in France. Lives and works in Berlin After studying Fine Art at Paris University, HGB Leipzig and HEAD Geneva, 
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www.julienmenand.com



Public's perception of an expressionist work is often dominated by the artist's emotion, his subjectivity. It is generally more difficult to perceive this objective research of the control of a radical gesture, motivated by wanting to take a different look at reality, to consider going beyond the conventions of representation, the use of the creation’s tools, or to expose a vision of the world by the choice of a specific aesthetic, with the humble hope that it will resonate with its contemplator. The obviousness is this thing that is immediately noticeable, which is focused. This is the «too» common denominator of photography in the field of art. For Julien Menand, it is a hackneyed form of the medium. Sharpness of the "objective reality". Pornography of the world. You have to know how to be wary of images that show. Often chatty, they have nothing to say. It is in the sharpness of a subject that a form of vacuity of the representation lies. Mediocrity of exactitude. It is not objectivity that is food for the mind but doubt, blur. Making photographs that challenge our way of seeing the world makes it possible to maintain a necessary objective skepticism about art. This new blurred vision proposed here seems ultimately closer and relevant, for its author, to what we have become as a mankind. The way we have dispersed ourselves in the vagueness of our existence. Our inability to unanimously decide to preserve our own reason, our species and habitat. Julien Menand seeks to overcome the commonplace of the medium by playing on a mutism of the representation: in the search for an absolute form of photography, he tries to break free from the inherent sharpness of the optical documentation of the real. He thus places the focal plane beyond obviousness. Without getting rid of the subject, he tries to give back the ascendancy of the artistic form on this one. As if to better anchor these blurred images in a critique of representation in the history of art, and to invite a renewal of the genre, Julien makes the choice to use a 4x5 large format camera: this device, precisely claimed by the Documentary art and by the heirs of the Düsseldorf School as the ultimate tool of extreme sharpness, simultaneously allows an objective and distanced representation. Here, no dreamlike motion blur, but a blur of focus to translate this bias taken for an absolutization of photography and question this assured vision of the world we carry. Lugging a 4x5 camera with its tripod, cumbersome, slow, expensive, in order to compose and burn on a film a completely fuzzy image reveals a determination assumed by the artist to go to the end of his wanderings, to seek to reconcile photography with the expressiveness and the materiality of the image, affirming fragility and vulnerability as qualities. For Julien, the security aspirations that determine our current world echoes the rigorism of documentary typologies. Worried, he can not help but think of that dark time when this art of obviousness was presented as an "official art", against the wisdom of the perfectible, illustrated here by Sfumato. With this work he means the importance of a degenerate art of photography.  

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​Kuratiert von  Konstantin Kopietz

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Die Wahrnehmung eines expressionistischen Werkes durch die Öffentlichkeit wird oft von der Emotion des Künstlers, seiner Subjektivität dominiert. Es ist allgemein schwieriger, diesen objektiven Versuch der Beherrschung einer radikalen Geste wahrzunehmen, motiviert durch den Wunsch, einen anderen Blick auf die Realität zu werfen, über die Konventionen der Darstellung hinauszugehen, den Einsatz von Werkzeugen der Gestaltung in Betracht zu ziehen oder eine Vision der Welt durch die Wahl einer spezifischen Ästhetik auszudrücken, mit der bescheidenen Hoffnung, dass sie bei ihrem Betrachter nachhallen. Das Selbstverständliche ist das, was unmittelbar wahrnehmbar ist, das, worauf der Fokus liegt. Dies ist die „zu“ übliche Vorgehensweise auf dem Gebiet der künstlerischen Fotografie. Auf Julien Menand wirkt diese Form des Mediums abgedroschen. Schärfe der „objektiven Wirklichkeit“. Pornografie der Welt. Man muss sich vor Bildern, die zeigen, in Acht nehmen. Oftmals gesprächig, haben sie nichts zu sagen. In der Schärfe des Subjekts liegt eine gewisse Darstellungsleere. Armseligkeit der Genauigkeit. Es ist nicht die Objektivität, die Nahrung für den Geist ist, sondern der Zweifel, die Unschärfe. Fotografien, die unsere gewohnten Sehweisen herausfordern, machen es möglich, die notwendige, objektive Skepsis gegenüber der Kunst aufrechtzuerhalten. Diese neue unscharfe Vision, die hier vorgeschlagen wurde, erscheint ihrem Autor letztlich näher und relevanter an dem, was wir als Menschheit geworden sind. Die Art, wie wir uns in der Unschärfe unserer Existenz auflösen. Unsere Unfähigkeit, geschlossen für die Wahrung unserer Vernunft, unserer Art und unseres Lebensraums einzutreten. Julien Menand versucht, den Gemeinplatz des Mediums zu überwinden, indem er mit einem Mutismus der Darstellung spielt: Auf der Suche nach einer absoluten Form der Fotografie versucht er, sich von der inhärenten Schärfe der optischen Dokumentation des Realen zu befreien. Folglich stellt er die Fokal-Ebene über das Selbstverständliche hinaus. Ohne das Subjekt loszuwerden, versucht er, die Überlegenheit der künstlerischen Form auf dieses zurückzugeben. Um diese unscharfen Bilder besser in einer Kritik der Darstellung in der Kunstgeschichte zu verankern und zu einer Erneuerung des Genres einzuladen, entschied sich Julien für eine 4x5-Kamera: Diese Kamera, die von der Dokumentarfotografie und den Erben der Düsseldorfer Schule als ultimatives Werkzeug für extreme Schärfe betrachtet wird, ermöglicht gleichzeitig eine objektive und distanzierte Darstellung. Hier in diesem Projekt, gibt es keine poetische Bewegungsunschärfe, sondern eine fokale Unschärfe, um diesen Wunsch nach einer Verabsolutierung der Fotografie auszudrücken und diese gesicherte Vision der Welt, die wir haben, in Frage zu stellen. Eine 4x5-Großformatkamera schleppend, mitsamt Stativ, schwerfällig, langsam, teuer; um ein völlig unscharfes Bild auf Film zu komponieren und zu brennen, beweist die vermeintliche Entschlossenheit eines Künstlers, bis zum Ende seiner Irrfahrt zu gehen, versuchend, die Fotografie mit der Ausdruckskraft und Materialität des Bildes zu versöhnen, Zerbrechlichkeit und Verletzlichkeit als Qualitäten zu bestätigen. Für Julien, spiegeln die Sicherheitsansprüche die unsere heutige Welt bestimmen die Rigorosität der dokumentarischen Typologien wider. jene dunkle Zeiten zurück zu denken, als die Kunst des Kunst“ präsentiert wurde, gegen die Weisheit des Unvollkommenen, hier vom Sfumato illustriert. Mit dieser Arbeit unterstreicht er die Bedeutung einer entarteten Kunst der Besorgt, kommt er nicht umhin, als an Selbstverständlichen als „offizielle Fotografie. 
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​Kuratiert von Konstantin Kopietz


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​15th PICTOPLASMA International Festival of Character Design and Art



​This May 08–12 Pictoplasma celebrates its 15th anniversary and presents an exciting new selection of trailblazing and trendsetting character design throughout Berlin. Under the heading INTER__FACES, the festival brings together artists from around the world, working in such diverse genres as illustration, animation, digital design, games, urban, and the fine arts. A group exhibition at Silent Green confronts visitors with a multitude of virtual and abstract faces in multimedia installations while Babylon, Rosa-Luxemburg-Platz screens four programs with 80 short films a far cry from family entertainment. A walking tour in Mitte leads through project space and showcases the work of ten artists and a group show by the Pictoplasma Academy 2018 alumni. Maps and programs are available at all locations.



All exhibitions open daily from 12pm until 8pm. 

​Exclusively at the FataMorgana gallery :

John Bond (UK) iamjohnbond.com Dog Daze


​Peanut butter. Bananas. Pebbles. Cotton wool. Sausages. Anything. Everything. What do these things have in common? Dogs, they all look like dogs. John Bond is an illustrator, author and artist from the UK. Dog Daze is a collection of playful prints and original artworks conceived from his dog-addled vision of day to day life.

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15th PICTOPLASMA International Festival of Character Design and Art 

​In seiner 15. Jubiläumsausgabe präsentiert das Pictoplasma Festival vom 8. bis 12. Mai 2019 unter dem Titel INTER__FACES in ganz Berlin die Figuren von morgen – und eine überraschende Auswahl zeitgenössischer Character Designs, die international für Aufsehen sorgt und neue visuelle Trends setzt. Zwischen Illustration, Animationsfilm, Digital Design, Games, Urban Art und Kunst steht während des Festivals die Gestaltung von Charakteren im Mittelpunkt. Eine Gruppenausstellung im Silent Green zeigt eine Vielzahl von virtuellen Gesichtern und Kreaturen in multimedialen Installationen, darunter neue, für das Festival in Auftrag gegebene Arbeiten. Im Babylon am Rosa-Luxemburg-Platz laufen vier Programme mit 80 Animationsfilmen jenseits von Mainstream, Familienunterhaltung und Kindchenschema. Ein Rundgang führt durch Ausstellungen in Offspaces in Mitte, die im Rahmen von Werkschauen Einblick in die Arbeit von zehn Künstler*innen geben. Eine Gruppenausstellung präsentiert zusätzlich die 35 Alumni der Pictoplasma Academy 2018. Programmhefte und Karten liegen an allen Orten aus. 

Alle Ausstellungen sind täglich von 12 bis 20 Uhr geöffnet.

Exklusiv in der FataMorgana Galerie :

John Bond (UK) iamjohnbond.com Dog Daze


​Erdnussbutter. Bananen. Kieselsteine. Baumwolle. Würstchen. Irgendetwas. Eigentlich alles. Was haben diese Dinge gemeinsam? Hunde, denn irgendwie sieht alles aus wie ein Hund. John Bond ist ein Illustrator, Autor und Künstler aus England. Dog Daze zeigt eine Sammlung verspielter Motive als Editionen und Originale, entstanden aus seinem hundenahen Blick auf unseren Alltag.

www.pictoplasma.com


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​              A DEPRAVED EXHIBITION OF BLASPHEMY

                                 - VERNISSAGE  Friday February 22nd  at 6pm -

The occult artist Bruce Stirling John Knox is unleashing his sexually violent imagery on Friday 22 February 2019 – 2 March 2019. The exhibition, DESECRATE THE TEMPLE, is an arranged depiction of ritualized magick of the most disturbing kind. After his recent troubles with the censors over his collection of short stories, BSJK will be hosting a solo exhibition at the Fata Morgana Galerie, Torstrasse 170 Berlin, where free speech is still valued.

​In this time of outrage against artistic freedom, BSJK takes a stand against the conformity following the party-line of socially acceptable and state approved expression. His work has always gone head-first into challenging concepts that most contrarians merely dabble in. DESECRATE THE TEMPLE explores occult symbolism from Jerusalem's Temple Mount, to the ruins of Pergamon in Turkey. His exhibition embraces the unknown horrors of childbirth, the devils that lurk within even the most beautiful, and the ultimate prison of flesh that we are all incarnated within. BSJK believes that true individuality comes from dwelling alone in the absolute darkness of yourself, and therefore DESECRATE THE TEMPLE is evidence of exactly that.

Bruce Stirling John Knox is a Scottish artist living in Berlin for the past 13 years. He has held exhibitions since 2001, written books and collections of short stories, as well as being a professional animator. View his work at his website www.b-s-j-k.com.

“ Ordinary morality is only for ordinary people.”  Aleister Crowley


 
​Kuratiert von Konstantin Kopietz


BETWEEN THE LIKES
10 DAYS / 2 BERLIN ARTISTS  


GALERIE FATA MORGANA    5.2.-16.2.2019

Sangare Siemsen
Steve Binetti


VERNISSAGE  5.2.2019

FINISSAGE 16.2.2019

Eröffnung am 5.2.2019 um 18:00
Öffnungszeiten der aktuellen Ausstellung:
6.2. - 15.2.2019 jeweils 17:00-21:00 
(Montags geschlossen)
Finissage am 16.2.2019 um 18:00

GALERIE FATA MORGANA  
TORSTRAßE 170 
D-10115 BERLIN Mitte

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EVENTS:
Dienstag, 5.2.2019 VERNISSAGE
Sonnabend, 9.2. Scardanelli ließt aus "11 Blätter vom Baum der Erkenntnis / Poesien des Äussersten"
Sonntag, 10.2. Weinabend mit Thomas Burckhardt (Sommelier) / Firma Weinflug 
Sonnabend, 16.2.2019 FINISSAGE

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Steve Binetti, geb. 1966 in Berlin,
Komponist und Musiker, produziert Gemälde und Zeichnungen seit 1993. Diverse nationale Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen.Lebt in Berlin.

Meine Malerei ist ein komplexer Ablauf, den ich beobachte und vorsichtig unterstütze. 
Nach dem Motto: „Inhalte aufsteigen lassen“. Formen und Farben (er)finden, Kontraste verstärken oder abmildern. 
Verwerfen, übermalen, neu beginnen. Ruhen lassen. Freude über Gelungenes ist der Antrieb für Weiteres.  
Tätigkeitsschwerpunkte:
Neben seiner Malerei erstellt Steve Binetti Kompositionen, Konzepte, Songs und Sounds für Theater-Inszenierungen bzw. Bühne, Kino-Film, Fernseh-Film, Live Performances im Theater, singen mit den Schauspielern, Konzerte und Unterricht.
Von 1992-2016 zahlreiche Soundtracks & Live-Musik vor allem für Frank Castorfs und Sebastian Hartmanns Bühnenproduktionen.
Arbeitete in der Volksbühne Berlin, Gorki-Theater Berlin, Schauspiel Bremen, Schauspiel Hamburg, Centraltheater Leipzig, Nationaltheater Oslo, Schauspiel Stuttgart und Schauspiel Frankfurt. Gastspiele in Schweden, Dänemark, Tschechien, Bosnien, Frankreich & Brasilien.
Steve Binetti ist Musiker, Sänger, Maler. Und Ostberliner.
1966 wurde er in Berlin-Pankow geboren. Nach einer Lehre als Koch entschied er sich im Alter von 18 Jahren für ein Leben als Künstler.
Für Steve Binetti ist die Kunst eine Nische zum Sein, die Malerei ein Kosmos für Geschichten des eigenen Ichs.
In den frühen 80er Jahren war er Teil des Berliner Undergrounds.
Er arbeitete als Komponist, Singer Songwriter, spielte gemeinsam
mit den Musikern Flake Lorenz und Paul Landers, die heute zum
deutschen Kulturexport Rammstein gehören. Seine Vorbilder hießen Jimi Hendrix und die Rolling Stones. Und wie seine Helden wollte er mit der E-Gitarre dem Publikum jenen Kick verschaffen, der einen belebt. Der den Puls beschleunigt. Can you feel my heart beat! Anfang der 90er Jahre prägte er mit seiner Musik die Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. Für die Inszenierungen von Frank Castorf komponierte er zahlreiche Soundtracks, die er selbst darbot. Er war der heimliche Protagonist im Raum: Ein verkleideter Mann an der Gitarre, der den Sound des Rock’n Roll über die Reihen hinweg in den
Saal trug und ihn damit öffnete. Steve Binetti hatte mit Steve Binetti auf der Bühne sein erstes eigenes Kunstwerk geschaffen.
Die Künstlergruppe Wydocks gründete sich nach dem Mauerfall als mikrokosmischer Versuch, im Westen anzukommen. Ihr schloss sich Steve Binetti an. Von dem Geld, das er am Theater verdiente, kaufte er Farben und Leinwände. Er malte Bilder von Cézanne, Braque und Basqiuat nach, bevor er anfing, die Malerei als Ausdruck seines Inneren und der Unmittelbarkeit zu verstehen. Die Figuren auf seinen Bildern zeigen immer auch ihn selbst: Seltsame Gestalten, Typen und Freaks. In seinem Werk verdichtet er die existenziellen Bedingungen des Menschen wie Liebe, Tod, Macht und Ohnmacht genauso wie die Emotionen Leid, Schmerz oder Lust. Geprägt von den Farben des Ostens, vom Gefühl aus Geborgenheit und der Comic-Zeitschrift Mosaik, sind seine Gemälde ein warmes Refugium aus Vergangenheit und Zukunft, aus Ängsten und Hoffnungen. Wie seine Musik laden sie zum Takt ein, ohne dabei flüchtig zu sein.
links:
https://www.saatchiart.com/account/artworks/988524
https://stevebinetti.bandcamp.com/
http://www.stevebinetti.com/ 

Steve Binetti, born 1966 in Berlin.
Composer and musician, produces paintings and drawings since 1993. Various national solo exhibitions and exhibition participations. Lives in Berlin.
Quote:
„My painting is a complex process that I observe and support carefully.
Following the motto: "let contents rise". Finding shapes and colors, enhance or soften contrasts.
Discard, paint over, start all over. Let rest. Joy of success is the impulse for further developments.“

In addition to his painting Steve Binetti creates compositions, concepts, songs and Sounds for theater productions or stage, cinema film, television film, Live performances in the theater, singing with the actors, concerts and lessons.
From 1992-2016 numerous soundtracks & live music especially for Frank Castorfs and Sebastian Hartmann's stage productions.
Worked at the Volksbühne Berlin, Gorki-Theater Berlin, Schauspiel Bremen, Schauspiel Hamburg, Centraltheater Leipzig, Nationaltheater Oslo, Schauspiel Stuttgart and Schauspiel Frankfurt.
Guest performances in Sweden, Denmark, Czech Republic, Bosnia, France & Brazil.

https://www.saatchiart.com/stevebinetti
https://stevebinetti.bandcamp.com/
http://www.stevebinetti.com/ 

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Sangare Siemsen, geboren 1962 in Berlin. 1981-86 Studium Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, Diplom bei Bernhard Heisig; seit 1986 freischaffend. Nationale und internationale Ausstellungen und Ausstellungs-beteiligungen, u.a. in Schweden und Frankreich. 
Lebt in Berlin.

Sangare Siemsen war der Initiator der Kunstinstallation Catering Silberstein, wo sich alle Ostberliner Künstler in den 90er Jahren trafen.Wenige Jahre zuvor,1987/88, musizierten Sangare und Steve Binetti zusammen in einem Metal-Rap-Band-Projekt namens B.R.O.N.X. (Beat Recycling Orchestra With No Xylophone)
Er war einer der Sänger und Textschreiber und übernahm auch das Scratchen (mit einer alten Bandmaschine)
Ein weiteres wichtiges Mitglied der Band war Paul Landers (Rammstein) an der Gitarre.

Sangare Siemsen, born 1962 in Berlin. 1981-86 studied painting at the Academy of Visual Arts Leipzig, diploma with Bernhard Heisig; freelance since 1986. National and international exhibitions and exhibition participations, i.a. in Sweden and France. Lives in Berlin.
Sangare Siemsen was the initiator of the art installation catering Silberstein, where all the artists from East Berlin met during the 90ties.A few years before,1987/88, Sangare and Steve Binetti used to collaborate in a Metal-rap-Bandproject named B.R.O.N.X.
(Beat Recycling Orchestra With No Xylophone)
He was one of the singers and writers and did the scratching as well (with an old bandmachine)
Another important member of the Band was Paul Landers (now Rammstein) on Guitar.
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Steve Binetti is a musician, singer, painter. And East Berliner.
In 1966 he was born in Berlin-Pankow. After an apprenticeship as a chef at the age of 18 he decided to live as an artist.
For Steve Binetti, art is a niche to being, painting is a cosmos for the stories of the own ego.
In the early 80s he was part of the Berlin Underground.
He worked as a composer, singer songwriter, played together
with the musicians Flake Lorenz and Paul Landers, who today joined the German cultural export Rammstein. His role models were called Jimi Hendrix and the Rolling Stones. And like his heroes, he wanted to give the audience that reviving kick with the electric guitar.
The kick that speeds up the pulse. Can you feel my heart beat!
At the beginning of the 90s he left his mark on the Volksbühne am
Rosa-Luxemburg-Platz. For the productions of Frank Castorf
he composed numerous soundtracks, which he presented himself. 
He was the secret protagonist in the room: a disguised man on the guitar, who sent the rock'n roll sound across the ranks in the
room and opened it with it. 
With Steve Binetti, Steve Binetti had created his first own artwork on stage.
The artist group Wydocks was founded after the fall of the Berlin Wall as microcosmic attempt to arrive in the west. Steve Binetti was part of the group. 
From the money he earned at the theater, he bought
paints and canvases. He copied pictures of Cézanne, Braque and
Basqiuat, before he started to understand painting as an expression of his own innermost. 
The figures in his pictures always show him too: Strange figures, types and Freaks. In his work he condenses the existential conditions of man like love, death, power and powerlessness just like emotions as suffering, pain or pleasure. Shaped by the faded colors of the Eastside of Berlin, by the feeling of security and influenced by the comic-magazine Mosaik, his paintings are a warm refugium out of past and future, out of fears and hopes.
Like his music, they invite you to the beat without being volatile.

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  Kuratiert von Konstantin Kopietz



Musterzimmer presents:

SECRET CHAPTER

Opening on Saturday 15.12.2018 5pm – 9pm

Collages by Niina Lehtonen Braun
A Short Film by
Eemil Karila, Mika Mario Minetti & Jarkko Räsänen

Curated by Mika Mario Minetti

SECRET CHAPTER & PRIVATE EVENTS
The new exhibition by Niina Lehtonen Braun features collages created for Mika Mario Minetti’s Berlin memoir “It Happened in Berlin: Art, Love & Fashion”. Lehtonen Braun created cover art for the book that came out in November 2017. Her original art works are now shown for the first time in public. While ten collages were published in the book, much more were created during a few months’ period leading to the publication when the artist browsed through Minetti’s photographs of his Berlin friends and artist communities – the author’s extended family, so to speak. Lehtonen Braun then selected some of the photos as raw material for the commission work: cutting the images to pieces, adding drawings, texts and other visual elements such as dried flowers or even glitter to them – and thus creating a delicate body of work through her enchanting story-telling and painting techniques. At “Secret Chapter” exhibition 14 of these art works are on display. In addition to these collages, we will see “Private Events", a collection of Niina Lehtonen Braun’s recent works building on the topic of extended families, friends and communities. 

About the artist    
Niina Lehtonen Braun graduated from the Finnish Academy of Fine Arts in Helsinki, Finland, in 2000. She lives and works in Berlin, Germany, for 18 years already. Lehtonen Braun has had several international solo shows and participated in numerous group exhibitions while developing her own visual aesthetics. Her production includes paintings, video art, installations and performance art.
Besides the original collages, a selection of books and an exclusive set of 8 postcards in a hand-written and numbered (from 1 to 50) limited edition case will be available at the gallery.


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WIRST DU FÜR IMMER MEIN SEIN?
Shot with an 8mm camera at Musterzimmer gallery in Berlin–Schöneberg, the short film by Eemil Karila, Mika Mario Minetti & Jarkko Räsänen captures the final day of the artist Janne Räisänen’s solo show “Will you be mine forever?”. The exhibition ran from the 17th of May until the 20th of June, 2013. A group of friends gathered at the gallery to celebrate the finissage of the show. In no time at all the day turned into an evening and the evening into a long night of partying. Now, for the first time after five years of editing the grainy and partly lost footage, the film sees daylight.  

Musterzimmer x Fata Morgana
Torstraße 170, 10115 Berlin, Germany
Opening on Saturday 15.12.2018 5pm – 9pm
Exhibition 16.12. – 21.12.2018
The gallery is open Tue – Fri 12pm – 6pm 
(Closed on Mon and open on Sun 2pm – 6pm) 
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musterzimmer.org
niina-lehtonen-braun.com
ithappenedinberlin.com
eemilkarila.net
jarkko.persona.cco

https://www.facebook.com/events/1004697123046907


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Une semaine de bonté – Eine Woche der Güte

Collagen auf Papier von Natalie Huth, Ronald Lippok, Jutta Scheiner und Majla Zeneli

Vernissage am 06.10.2018 von 19 bis 22 Uhr
Finissage am 13.10.2018 von 18 bis 20 Uhr
täglich vom 07.10. bis 13.10. von 15 bis 20 Uhr geöffnet


Nach der Schließung ihrer Vorzimmerhallen in der Greifswalder Straße präsentiert die Staatsgalerie Prenzlauer Berg ihre zweite Sonderausstellung und ruft "Eine Woche der Güte" aus. Der Titel der Ausstellung "Une semaine de bonté" ist einem 1934 erschienen Collagen-Roman aus der Schere von Max Ernst entliehen. Ernst entdeckte das Motto auf dem Plakat einer Wohltätigkeitsorganisation. Als Titel seines Romans ist die Woche der Güte ein sarkastischer Kommentar zur Schöpfungsgeschichte. Als Anmoderation ausgeschnitten, neu eingepaßt und so für die Staatsgalerie PB nutzbar gemacht, umreisst er zugleich das Genre, die Dauer und die Qualität ihrer aktuellen Ausstellung.

Vom 06.10. bis zum 13.10.2018 lädt die Staatsgalerie PB nun zu einer Präsentation ihrer verzerrten Realität. Das entsprechende Programm der Galerie war nie um einen realistischen Blick auf die Welt verlegen, denn das Phantastische entspricht längst einem real existierenden Surrealismus und ist somit rein dokumentarisch zu verstehen. Beim Blick in den Zerrspiegel bietet sich eine Collage des äusserst wahren Lebens, ein zerschlagenes Kaleidoskop der großen Illusionen. Insofern entspricht der Begriff des phantastischen Realismus einem weissen Schimmel, auf dem der Geist eines Realitätsanspruchs ins erhellende Dunckel reitet, um besser zu sehen. Oder?

Drei Künstlerinnen bzw. insgesamt vier Künstler stellen Collagen aus, ihre Arbeiten vereint dasselbe Genre, welches sie gleichzeitig ausdifferenzieren. Denn die vier Collageure mögen alle die Summe der einzelnen Teile anstreben, doch die Schere im Kopf folgt jeweils anderen Schnittmustern:

Die collages noirs Natalie Huths sind dunkle Familienaufstellungen, ihre Dramen extrahieren sie aus dem dunklen Kern von Ammenmärchen. Die Muster menschlicher Tragödien mögen immer dieselben sein, doch ihre Variationen erzeugen Projektionen wie diese, sie zeugen von großer Intimität und damit von seltener Individualität.

Ronald Lippoks Collagen eröffnen ein Papiertheater, über dessen verzweifelten Komödianten zumeist eine Bedrohung von Gewicht schwebt. Mal ist das Damoklesschwert durch einen verschlossenen Schrank ersetzt, mal durch eine gigantische Klaue, ausgefahren von einer Schicksalsgöttin in den Tiefen der Welttheaterkulissen.

Jutta Scheiners Gesichtsmasken sagen die Vergangenheit der Portraitierten voraus. So wie der Schamane die Knochen des Ameisenbären wirft und aus ihrer Lage eine Vision ableitet, so fügt sie Fragmente zu einem fragenden, doch stimmigen Bild. Allerdings ohne Rücksicht auf erwünschte Antworten.

Majla Zeneli hat das Genre der Collage in die 3-Dimensionalität überführt, um sich von dieser Neuerung dann wieder abzuwenden. Wie in Opposition zur eigenen Schöpfung, gab sie den einmal geschaffenen Raum wieder auf, um in ihren aktuellen Arbeiten in die Abstraktion zu gehen. Im Raum des abstrakten Denkens entstehen nun miteinander kommunizierende Flächen von sinnlicher Strenge.

(Bildnachweis: Natalie Huth, o.T. 2018)
Staatsgalerie Prenzlauer Berg zu Gast in der Fata Morgan Galerie
Torstraße 170, 10115 Berlin



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pretty shiny stuff

Astrid Köppe: Emaillen, Zeichnungen und Objekte.


Vernissage: Sonnabend, 22. September 2018, 18 Uhr

Öffnungszeiten:                                                         

Montag 24.9. bis Mittwoch 26.9. von 12 bis 18 Uhr
Donnerstag 27.9. bis Samstag 29.9. von 12 bis 20 Uhr
Sonntag 30.9. von 12 bis 18 Uhr
Weitere Termine bei Bedarf nach Vereinbarung.
Sonntag 23.9. geschlossen




Vernissage: Saturday September 22, 2018, 6 pm

opening hours:

Monday 24  -  Wednesday 26    12-6 pm
Thursday 27 - Saturday     29      12-8 pm
Sunday 30                                      12-6 pm
and by appointment.
Sunday 23 closed.

https://www.facebook.com/events/234351704105707/
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​Die Schönheit des Schimmels
Brasilien 1929: Während seiner ersten Südamerikareise fliegt Le Corbusier auch über die Regenwälder am Amazonas. Doch das schier unendliche Grün erfüllt den französischen Architekten weder mit Ehrfurcht noch mit Begeisterung. Im Gegenteil. Die Wälder erinnern ihn an den „schrecklichen Schimmel“ in den Marmeladengläsern seiner Mutter. Und so wird er in seinen ein Jahr später erschienenen Précisions schreiben, die Regenwälder seien der „Schimmel der Erde“. Für einen Mann, der vom „Maschinenzeitalter-Menschen in der Strahlenden Stadt“ träumt, ist das Organische, das unkontrolliert Wuchernde eine Provokation – die Antithese zur seinem absolut rational geprägten Bild der Moderne und der Welt.
Schimmelpilze wachsen nicht nur auf Marmeladen, Früchten oder der menschlichen Haut. Sogar einige Kunststoffe können ihnen als Substrat dienen. In der Natur übernehmen sie eine wichtige Aufgabe: Ihre feinen, fadenartigen Mycelien sorgen für den Abbau organischer Stoffe. Schimmel – das bedeutet Zersetzung und Vergänglichkeit. Wie Körpersekrete, Leichen, Spinnen oder die Haut auf der Milch gehört Schimmel in das Reich des Abjekten. Der von der Literaturtheoretikerin und Psychoanalytikerin Julia Kristeva entwickelte Begriff bezeichnet Dinge, mit denen man sich nur ungern beschäftigt, die Ekel und Aversion hervorrufen, tabuisiert sind. Schimmel erinnert uns daran, dass das Leben bereits vom Tod infiziert ist. 
Als sich Astrid Köppe 2011 für ein Stipendium am Young Eun Museum of Contemporary Art im südkoreanischen Gwangju aufhielt, herrschte dort gerade der heftigste Monsun seit 100 Jahren. Es war heiß, feucht, überall begann es zu schimmeln. „Ich war hin und hergerissen zwischen Ekel und Faszination. Eigentlich habe ich eine Schimmelallergie und sollte Abstand wahren, doch die Texturen, Farben und die Wachstumsstrukturen waren einfach zu interessant.“ Auch ihr Zeichentisch wurde von den Pilzen befallen. Zudem weichte die massive Luftfeuchtigkeit die Buntstifte auf und ließ das Papier klamm werden. So gehandicapt verabschiedete sie sich kurzfristig vom Zeichnen, ihrem favorisierten künstlerischen Medium, und entwickelte mit dem „Kompangi Piece“ ihre erste Wandinstallation: Eine Armada von auf Seidennadeln aufgespießten Styroporkügelchen, die sich anschickte, den Ausstellungsraum zu erobern – wie eine Kolonie von Schimmelpilzen. Kompangi ist dann auch das koreanische Wort für Schimmel. Aus manchen Kügelchen sprossen weitere Nadeln mit noch kleineren Kügelchen heraus: Ableger, die für die Ausbreitung der Spezies sorgen. Zugleich erinnerten diese zarten Objekte an ein Heer von Fühlern oder Tentakeln, die Kontakt mit ihrer Umwelt aufnehmen.  
Das „Kompangi Piece“ vereint zahlreiche für die Arbeit von Astrid Köppe charakteristische Elemente: Das Interesse am Organischen. Die Arbeit mit Materialien, die im Kunstkontext eher unüblich sind. (So beklebt sie für „Baran I“ einen Leuchtkasten mit den grünen Kunststoffblättchen, die sonst zur Dekoration von Sushi dienen oder zeichnet bei den Objekten aus der Serie „Little Ghosts“ mit Vaseline.) Das subtile Spiel mit Licht und Schatten (Die Nadeln und Bällchen werfen zarte Schatten auf die Wand, die wie eine Zeichnung wirken). Die Akribie und Sorgfalt, mit der sie ihre Objekte und Zeichnungen anfertigt. Vor allem aber zeigt sich auch hier die Ambivalenz, die viele ihrer Arbeiten auszeichnet, das Changieren zwischen Ästhetischem und Abstoßendem: „Ich mag es, wenn es kippt – etwa zwischen schön und eklig“.
Mit dieser Ambivalenz spielen auch Köppes „Little Furs“ – 10 künstliche Fingernägel, die sie mit künstlichen Wimpern beklebt hat. Die behaarten Nägel werden wie Luxusobjekte auf Samt gebettet in einer Vitrine präsentiert, aber auch als modische Accessoires: Auf einer Serie von Fotoarbeiten, die Werbung und Modestrecken aus Hochglanzmagazinen nachempfunden sind, trägt die perfekt geschminkte Künstlerin ihre „Little Furs“ als Fingerschmuck. Das sieht völlig absurd aus und lässt an „Déjeuner en fourrure“ denken, Meret Oppenheims 1936 gefertigte Pelztasse, die zu einer der Ikonen des Surrealismus wurde. Der Spaß an der Irritation und der abgründige Humor verbinden beide Künstlerinnen. Auch Oppenheims Motto „Mit ganz enorm wenig viel" dürfte Köppe gefallen. 
Doch wo Oppenheim „nur“ ein Alltagsobjekt surreal verfremdet, zielt Köppe tiefer – auf Schönheitsideale, Körperbilder und die Ängste, die damit verbunden sind. Haare an den „falschen“ Stellen gelten als ungepflegt, sind tabuisiert, werden rasiert, gezupft, epiliert. Sprießen sie plötzlich aus Fingernägeln, kann dies heftige, manchmal fast körperliche Abwehrreaktionen hervorrufen. Die Kombination künstlicher Fingernägeln und Wimpern, also völlig banaler Objekte, hat eine durchschlagende Wirkung. Es geht Köppe um das Triggern von Reaktionsmustern, die in vielen Menschen angelegt sind. Nicht umsonst überlegt sie, ein Projekt zum Thema Spinnenphobie zu machen, bei dem, denkt man etwa an Vogelspinnen, auch wieder Haare eine Rolle spielen.
Die Abwehrreaktionen auf ihre Arbeiten können aber auch religiös motiviert sein. Köppe verbrachte den Winter 2012/13 in Kuala Lumpur, der Hauptstadt von Malaysia, und wurde dort zur Triennale eingeladen. Mit ihrem Titel „Barricade“ reagierte die Ausstellung auf die angespannte politische Lage in dem überwiegend von Muslimen bewohnten Land. Als Beitrag fertigte Köppe ihre ganz eigene Barrikade, „The Armour Piece“, eine Art Rüstung aus Rattan. Sie wird von weißen Kabelbindern zusammengehalten, deren abstehende Enden Stacheln gleichen. Doch die eigentliche Abwehrkraft dieser Barrikade, die ihren Träger fast von allen Seiten vor Angriffen schützt, resultiert aus einem anderen Bestandteil – aus den Büscheln von Schweineborsten, die zwischen den Kabelbindern kleben. Für Muslime sind Schweine nicht halal, also verboten. Muslimische Polizisten hätten das Gestell deshalb nicht berühren dürfen. Als ihnen klar wurde, was Köppe hier verarbeitet hat, wichen auch viele Triennale-Besucher vor dem Objekt zurück – so als sei es von einem unsichtbaren Kraftfeld umgeben. 
Der Schattenwurf ihrer stacheligen Barrikade faszinierte Köppe so sehr, dass sie für die Ausstellung „Extending Ideas“ (2016, Kuala Lumpur & Penang) ein diesmal mit schwarzen Kabelbindern besetztes Rattanobjekt anfertigte. Das Oval mit seinen dunklen Plastikhaaren hat keinen Titel, der die Assoziationen des Betrachters in eine bestimmte Richtung lenken würde. Man kann an das vergrößerte Modell eines Virus denken, das Skelett eines Seeigels, ein Steinzeit-Ufo oder an eines der zahlreichen rätselhaften Objekte auf den Zeichnungen der Künstlerin, von denen hier eines den Sprung in die Dreidimensionalität geschafft zu haben scheint. 
Das Motiv der Haare, aber auch ihr Assoziationspotential verbindet diese Skulptur mit Köppes Zeichnungen, die ebenfalls stets unbetitelt sind. Sie zeigen Objekte, bei denen man nie genau sagen kann, um was es sich eigentlich handelt. Seltsame Hybride zwischen Tier, Pflanze, Bakterium, Mineral oder Ding, mal biomorph, mal kristallin, häufig mit Härchen, Tentakeln oder Fühlern ausgestattet. Ganz selbstverständlich vereinigt sich Scharfkantiges mit Rundem, Räumliches mit Flächigem. Immer wieder baut Köppe Irritationsmomente ein, Räumlichkeiten, die sich widersprechen, die, wie sie es formuliert, zwischen Klarheit und totaler Unklarheit hin und her kippen. 
Auch hier die für Köppe so typische Ambivalenz: Manche dieser Objekte sind außerordentlich elegant und dekorativ, andere wirken fast abstoßend, so als wären sie von einer tropischen Hautkrankheit befallen. Es gibt Blobs, denen beim Aufplatzen ganz andere Kreaturen entspringen könnten, und latent perverse Tierchen, deren abgeschnürte Gliedmaßen an Hans Bellmers Poupée erinnern. Oder doch an eine Amöbe? Eine seltsame Seekuh? Die Künstlerin hat jedenfalls eine Vorliebe für merkwürdig geformte Kreaturen: „Ich mag beidseitig spitzzulaufende Tiere, Robben, Seekühe, Pangoline oder Ameisenbären.“
Die handwerkliche Perfektion der Zeichnungen ist essentiell für ihre Wirkung. Die Präzision, mit der Köppe die Objekte aufs Papier bringt, verleiht ihnen eine immense Präsenz. Zugleich suggeriert sie, dass das, was hier so realistisch abgebildet wird, auch tatsächlich existiert. Doch in Wirklichkeit handelt es sich immer um Ergebnisse eines Transformationsprozesses im Kopf der Künstlerin. „Ich sehe etwas, dann schaltet sich ein Filter davor und ich sehe es als Zeichnung sehr klar vor meinem inneren Auge, sodass ich es im Atelier nur noch abrufen muss. Die Zeichnung ist eine Art persönliche Essenz eines Objekts, das ich gesehen habe – das kann ebenso gut ein Küchenutensil wie ein Insekt sein.“
Für den Betrachter entsteht ein Moment der Irritation, eine Art kognitive Dissonanz. Er versucht, das, was er auf der Zeichnung so präzise vor sich sieht, mit dem, was er kennt, abzugleichen. Er versucht es einzuordnen, zu benennen, um die Spannung aufzulösen zwischen dem so real erscheinenden Objekt und der Unmöglichkeit, es zu identifizieren. Das führt dazu, dass die Betrachter ganz eigene Bezeichnungen für diese Objekte erfinden. Es entstehen so Wortschöpfungen wie Rattenschwanz-UFO, Nasenzungen oder Fischwimpern. Nicht umsonst hat Köppe zwei ihrer Ausstellungen – 2013 in der galerie weisser elefant, Berlin und 2014 in der Galerie Arte Giani, Frankfurt a.M. – „Pareidolia" genannt. Pareidolie bezeichnet das psychologische Phänomen, in Dingen und Naturphänomenen etwas Vertrautes zu erkennen, etwa wenn eine Wolke plötzlich an ein Gesicht oder einen Raubvogel erinnert. 
So wie Josef Albers auf den mehr als 1.000 Arbeiten seiner Serie „Homage to the Square“ (1950-76) anhand farbiger, ineinander verschachtelter Quadrate die Interaktion von Farben erforschte, erkundet Köppe auf ihren mittlerweile weit über 3.000 Zeichnungen die Bewohner eines fiktiven Kosmos. Im Augenblick plant sie ein Projekt mit einem Biologen und Taxonomen, dessen Spezialgebiet die Nomenklatur ist, die strengen Regeln unterliegende Disziplin der Benennung von Lebewesen. Er kann den nichtexistenten Lebewesen wissenschaftlich korrekt Namen geben. Wie in einem biologischen Lehrbuch sollen sie klassifiziert werden, anhand von Stammbäumen gibt es dann einen Überblick über Ordnungen, Familien, Gattungen und Arten, etwa eine „Genealogie des Haarigen“ zu dem die Gattungen des Flauschigen, Flaumigen, Stacheligen, Borstigen und Pelzigen gehören.
Diese Nomenklatur unterstreicht wiederum den Anschein von Realität. Der Eindruck einer wissenschaftlichen Systematik wird durch Köppes Entscheidung, ausschließlich auf DIN A4-Blättern im Hochformat zu arbeiten, verstärkt. Die Zeichnungen erinnern an Tafeln aus einem Biologiebuch, auf denen jeweils eine Spezies abgebildet ist. Zugleich lässt das gleichbleibende Format ihre Präsentationen ruhiger und einheitlicher erscheinen. Durch seine Allgegenwärtigkeit wirkt das DIN A4-Format außerdem extrem neutral. Werden bei Leinwänden frei gelassene oder weiße Flächen meist mit „nicht vollendet“ assoziiert, ist ein weißer Hintergrund bei Papierarbeiten absolut selbstverständlich. 
Die Zeichnung ist das zentrale Medium in Astrid Köppes Werk. Häufig werden Papierarbeiten als Skizzen, Studien und Entwürfe betrachtet, doch ihre DIN A4-Blätter sind in sich abgeschlossene Werke. Ihre akribische Genauigkeit steht in diametralem Gegensatz zu allen expressiven Gesten, die Köppe auch an der Malerei störten. Bereits während des Studiums an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig begann sie mit der Malerei zu hadern, 2004 verabschiedete sie sich dann ganz von diesem Medium. Bei ihrer Suche nach Alternativen zur Leinwand, nach einem völlig neutralen Raum für ihre Schöpfungen, experimentierte Köppe mit unterschiedlichen Bildträgern, bis sie 2005 mit Emaille ein für ihre Arbeit ideales Material fand. Nicht nur der glatte weiße Hintergrund verbindet sie mit dem Papier. Auch sie erfordert eine präzise, geplante Arbeitsweise, wobei die Möglichkeiten zu einer nachträglichen Korrektur hier noch wesentlich beschränkter sind als bei den Zeichnungen. 
Die aufwendige Fertigung der Emaille-Arbeiten erfolgt in einem Industriebetrieb. Schwarz emaillierte Stahlbleche werden mit Papier beklebt, worauf Köppe ihr Motiv zeichnet, um es dann mit dem Cutter auszuschneiden. Die Bleche werden mit cremeweißer Deckemaille, deren Ton dem ihres Zeichenpapiers sehr nahe kommt, überspritzt, wonach die Schablonen entfernt werden. Die feuchte Emaille kann bei Bedarf noch nachbearbeitet werden kann. So versieht sie die Künstler bei manchen Arbeiten noch mit Ritzungen. Nach der Trocknung wird sie senkrecht hängend in einem Ofen bei 900 Grad gebrannt. In dem weißen Grund bleiben die vom Papier abgedeckten Flächen und Linien als schwarze Zeichnung stehen. Jede zusätzliche Farbe muss dann einzeln in weiteren Arbeitsschritten angelegt und gebrannt werden. 
Auch auf den von 100 x 90 bis 180 x 140 cm großen Emaillen begegnet man Köppes biomorphen Formen, doch sie erscheinen vereinfachter, signalhafter, da die Künstlerin hier nicht mit so feinen Linien, Strukturen und Schattierungen wie bei den Zeichnungen auf Papier arbeiten kann. Stattdessen besitzen die Emaillen auf Grund ihrer Materialität einen starken Objektcharakter. Während die empfindlichen Zeichnungen durch Museumsglas oder die Aufbewahrung in den dunklen Schubladen von Grafikschränken geschützt werden müssen, trotzen die Emaillen Wind und Wetter. Wie Verkehrsschilder können sie problemlos im Außenraum installiert werden. Ihre klar zu erkennenden Motive lassen an Piktogramme denken, doch wie die Zeichnungen, Installationen und Objekte von Astrid Köppe verweigern sie sich eindeutigen Botschaften, bewahren einen Rest von Geheimnis. Sie gleichen vielmehr Wegweisern in ein Territorium, in dem man nicht nur die Mechanismen seiner Wahrnehmung überprüfen, sondern auch die Schönheit des Schimmels entdecken kann.
Achim Drucks






  Kuratiert von Konstantin Kopietz


Herzliche Einladung zur Ausstellung

Julia Murakami | André Werner

Fata Morgana Galerie, 14. - 20. 9. 2018

Im Vorfeld der Berlin Art Week zeigt die Fata Morgana Galerie mit Arbeiten von Julia Murakami und André Werner eine Ausstellung, die ebenso sublimal wie immersiv ist. 
Beiden Künstlern gemeinsam ist ein Arbeiten das sich nicht auf eine Reflektion der Wirklichkeit beschränkt, sondern, die Realität durchdringend, neue Bildwelten entdeckt und sichtbar macht. Bildfindung im eigentlichen Sinn. In dem Multiversum von Julia Murakami überlagern sich Fragmente griechicher Sagenwelten mit Erinnerungen an Hollywoodfilme und Superhelden, hier gelten die Gesetze der Schwerkraft nur begrenzt, hier lauern Chimären und Träume in jedem Winkel. Julia Murakami zeigt diese seltsam surrealen Welten mit einer selbstverständlichen Beiläufigkeit die im Betrachter ein Gefühl des Déjà-vu auslöst, ähnlich wie beim Betrachten alter, halb vergessener Familienfotos. Und tatsächlich sind persönliche Erinnerungsstücke, Selbstporträts und Fotografien oft der Ausgangspunkt für die Arbeiten von Julia Murakami. Bilder von unbekannten und doch vertrauten Welten.  André Werner versteht sich eher als Beobachter denn als Produzent von Bildern. Vergleichbar einem Ornithologen bei der Fotojagd, ist er ein Jäger und Sammler in der Welt der Bilder. Was sich letztlich in seinem Instrumentarium an Bildmaschinen, Kameras, Drucker, Kopieren... verfängt, ist bereits Bild vom Bild vom Bild. Bilder, die frei im Netz schwebend, sich permanent multiplizierend, werden in einem Moment ihrer ständigen Metamorphosen angehalten, nicht um sie zu bändigen, sondern als Tribut an ihre autopoietische Schönheit. 
Der alchemistische Prozess einer solchen Bildfindung ist hier gleichrangig mit dem gewonnenen Bild und die interaktive Multikanalinstallation “circles”gibt dem Besucher die Möglichkeit selbst Teil eines solchen Spieles mit dem eigenen Abbild zu werden. Louise Blissett

Julia Murakami und André Werner
14.9. - 20.9. Fata Morgana Galerie Torstraße 170 | Berlin Mitte
Eröffnung 14.9. 19 h - Finissage 20.9. 19 h
Mit einem reich illustrierten Vortrag von Cosima Reif : The Vienna Collection
Neue Briefmarken der Österreichischen Zufallspost. Mo - Do 16 h - 19 h
Sa - So  16 h - 20 h und nach Vereinbarung

Mit freundlicher Unterstützung durch die Z-Bar, Directors Lounge, FATA MORGANA GALERIE und Bürzel IT.





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.You are cordially invited to

Julia Murakami | André Werner

Fata Morgana Galerie, 14. - 20. 9. 2018 

Ahead of the Berlin art week the Fata Morgana gallery opens an exhibition of works by Julia Murakami and André Werner that is as subliminal as it is immersive. 
What both artists unites is an artistic approach that does not only reflects an existing reality but rather transcends into the imagery of new realities. The multiverse of Julia Murakami is filled with layers of Greek mythology, Marvel heroes and Hollywood icons, a world unbound to gravity where dreams and Chimeras lure in the dark. Julia Murakami depicts this strange and surreal realm with a casual implicitness that, like old family photographs, triggers a moment of déjà vu. And, in fact, private photographs, self-portraits and memorabilia are often the starting point in the works of Julia Murakami. Images from unknown, yet familiar worlds.  André Werner is rather an observer than a producer of pictures. Like an ornithologist with a camera, he is a hunter and collector in the realm of the images. What get caught in his machinery of TV sets, cameras, printers and copiers, is often already an image of an image of an image. The pictures that are freely floating in the net, constantly multiplying themselves, are frozen in a single moment of their metamorphoses, not to capture them, but to celebrate their autopoietic beauty. 
The alchemical process of creating such images is as important as the final output and the interactive video installation “circles” offers the spectator a chance to become part of such a play in a game with his own image.  Louise Blissett
Julia Murakami und André Werner
14.9. - 20.9. Fata Morgana Galerie Torstraße 170 | Berlin Mitte
Opening 14.9. 7 pm - Finissage 20.9. 7 pm
Featuring an illustrated lecture by Cosima Reif: The Vienna Collection
New stamps by the Austrian Pure Chance Postal Service. Mo - Tues 4 pm - 7 pm
Sa - Sun   4 pm - 8 pm  and by appointment

Kindly supported by Z-Bar, Directors Lounge, FATA MORGANA GALERIE  and Bürkle IT .


​Kuratiert von Konstantin Kopietz



Musterzimmer and Fata Morgana

kindly invite you to join the opening of the exhibition


New Materialism
Elsa Salonen, Jarkko Räsänen, Eemil Karila

Opening on Thursday 6.9.2018 6pm – 9pm

Exhibition 7.9. – 11.9.2018 
The gallery is open daily 2pm – 6pm

Evening events:
Performance TBA Friday 7.9. 6pm – 9pm
Concert TBA Saturday 8.9. 6pm – 9pm

New Materialism 

To be able to construct the world, we might start by breaking it into pieces, on a metaphorical level. On this journey, everything matters. And it is the details that together form more complex entities. Some artists say that they are the products of society and they subconsciously reflect the world as it appears to them.  
New materialism is a new monism, that brings together these three artists and their practices. Materialism refers to the fact that everything is ultimately physical. Philosophical physicalism is evolved from materialism with discoveries of physical sciences to incorporate more sophisticated notions on physicality. Not only ordinary matters, but also matters such as space time, physical energies and forces, dark matter, and so on. We could say that this philosophical physicalism as a notion in creation could be called new materialism.

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Elsa Salonen 
Salonen's new installation 'For the Queen of the Southern Seas (An Offering to Nourish Her Charming Blush)' was created with powdered corals, corals, glass and sea water.
Global warming and the rising sea water temperatures are killing the vital algae living inside coral tissues. This lead entire coral reefs to starvation, turning them deadly white in a process called coral bleaching.
Some of the corals used for the installation were collected on the beaches of Yogyakarta, Indonesia. According to Javanese and Sundanese myths - originating from prehistoric animistic beliefs - the local sea is the kingdom of Nyai Loro Kidul, the Queen of the Southern Seas. The deity is traditionally celebrated with offerings, for both as an act of propitiation and worship; to incur divine favour and avoid divine retribution.

Thanks:
Original photo and thematic consultancy / coral bleaching: Helmut Schumacher, emeritus professor of aquatic ecology, Duisburg-Essen, Germany
Thematic consultancy / Indonesian mythology: Patrick Vanhoebrouck, anthropologist, Yogyakarta, Indonesia

https://www.elsasalonen.com/
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Eemil Karila

Eemil Karilas paintings are a visual journey to his mind. He paints intuitively and follows the way the painting itself brings. Karila constructs painting as collages taking parts from old paintings and bringing them alive in new scenarios. The dreamlike atmospheres show his demons and angels and due to their iconographic character, we can also relate to them.
The sense of static time in the paintings, brings the viewer to the intermediate state of being awake and falling asleep; where dream is already beginning, but the consciousness is still awake. This so called hypnagogic state differs from the dream as the touch to the reality still remains. French philosopher Maurice Blanchot (1907-2003) has described this state: “The matter in form of an image is telling us about the world, though also bringing us to the undefined quell of enchantment.”

https://www.eemilkarila.net/

  
​Kuratiert von Konstantin Kopietz


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​Jarkko Räsänen

Jarkko Räsänen’s new photographic works are based on his self-made software, that he uses for manipulating the structure of photographs taken in French countryside of Grez-sur-Loing during his recidency in Hotel Chevillon in the beginning of the year. Original photographs of trees covered in last snow of the winter are transformed into mathematically defined compositions of pixel fields. The images of the series are on the other hand deconstructing photographic files, but also paying respect to tradition painting within the realm of digital handicraft with their neoimpressionistic effects.

https://jarkko.persona.co/


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​http://musterzimmer.org


Einladung zur Austellungseröffnung:

Die Ergriffenen

Malerei von
Christian Becking      Vernissage : Donnerstag 23.August 2018   18 Uhr

Becking malt auf Leinwand seit 2004. Während hier Bilder präsentiert werden, die in etwa im letzten Jahr entstanden sind, fällt bei allen seinen Bildern grundsätzlich auf, dass nur selten keine Menschen zu sehen sind. Menschen sind Beckings Hauptthema. Die Ergriffenen wirken trotz ihrer scheinbaren Einbettung in Landschaften enthoben. Zudem fallen die teilweise extremen Verrenkungen auf, in denen die Figuren auf die Bildoberfläche gebannt sind. Die Energie in den Bildern entspringt der Gleichzeitigkeit von Dynamik der Spannung und Statik der Pose: Passivität, Stillstand, geradezu Starre und Einengung konkurrieren mit Aktion, Bewegung, einem Sich-in-Gang-setzen und Befreiung, oder kurz das, was der Maler selbst „Unbewusstes aus seinem Zustand befreien durch Bewusstmachung“ nennt. Seine Figuren sind zugleich brachial und fragil; nackte, nüchterne Verkörperungen von Urzuständen des Menschen, angedeutet auch durch die sinnbildlichen, archaisch und episch anmutenden Werktitel. Sie sollen roh sein, nicht raffiniert; sie wollen nicht gefallen, klingen dabei an Laozis Ausspruch an, „wahre Worte sich nicht schön, schöne Worte sind nicht wahr.“

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  Kuratiert von Konstantin Kopietz

Wir laden herzlichst zur Ausstellung

" Dreckige Wunden - Dicke Narben "

mit Arbeiten von 

Tom Biber & Stefan Kaminski 


Vernissage
 : Sonnabend, 26.Mai 2018, 19 Uhr

Finisage : Dienstag, 5.Juni 2018, 18 Uhr


"Die Jesuitenzöglinge Biber und Kaminski entdecken kapitale Gräben, in denen Einzelmenschen immer öfter Schutz suchen müssen. Hier trifft man sich. in naher Ferne erscheinen Brücken wie platzende Wundnähte: Lava und Gedärm quellen ans Licht."

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  Kuratiert von Konstantin Kopietz

Mitte Media Festival 2018
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Mitte Media Festival 2018
Friday, April 20 - Saturday, April 21


SITES:::
Fata Morgana
Benhadj & Djilal
Torstrasse 170
and
Z-Bar
Bergstrasse 2
BERLIN, MITTE

MITTE MEDIA FESTIVAL 2018
Join Fata Morgana, Z-Bar, Leo Kuelbs Collection, Benhad & Djilal, BRLO, Chased Magazine, Kunstleben Berlin and Directors Lounge for the second annual MITTE MEDIA FESTIVAL! Lots of performance, art talks and videos of all kinds in the heart of Berlin's Mitte neighborhood.

Mitte Media Festival takes its creative cues from the neighborhood itself: a thriving international scene with its own deep German heart. Berlin-based artists are mixed with a variety of international creators to provide a cross-section of what's going on in the world of video and media art with a pretty heavy German twist!


MITTE MEDIA FESTIVAL 2018 EVENT SCHEDULE:
 

FRIDAY, April 20

FATA MORGANA


BACK ROOM

4-6 PM

A Selection of work from “CRAP: A Beeple Retrospective”            

Run Time: 36 minutes

Online video artist and Internet phenomenon Beeple creates new works daily. See a selection of Beeple’s work culled from “CRAP: A Beeple Retrospective,” presented earlier this year at Made in New York Media Center by IFP in NYC.

Curated by Thomas D. Rotenberg

 

6-8 PM

"Berlin-based: Video Mix"

Run Time: TBD/Looping

Playlist: I-Am-Johannes, "Urban Landscapes," 2:09, 2017: Juliane Ebner - "Tage Und Nächte," 5:00, 2017; Johanna Keimeyer, "Death Of The Moment," 2:18, Teresa Delgado, "Verbosen Movimiento," 6:36, 2017; Nina E. Shönefeld, "The Rise of Black Wolf," 6:61, 2016; Saebom Kim, "Haiku," 6:16, 2015; Ma Yongfeng, "The Swirl," 15:06, 2002   

A selection of videos by Berlin-based artists. Part of an ongoing series presented at Mitte Media Festival and brought together by the Leo Kuelbs Collection.


8-10 PM

"CINEMATIC CHIMERA – DIRECTOR'S LOUNGE INVADES FATA MORGANA"         

Curated by Klaus W. Eisenlohr and Kenton Turk

Introduction by Kenton Turk

Running Order: Andreas Gogol, Xarussel, 2017, DE, 7:02 , Angela Christlieb, Dein Falsches Spiel, 2017, DE, 3:13, Cecelia Chapman, Knuckleshop, 2014 USA, 00:58, Bernd Luetzeler, Untitled, 2017, DE, 8:32, Petra Lottje, Blinde Flecken, 2018, DE, 3:56, Gabriele Stellbaum, Close Huddle, 2017, DE, 4:30, Henry Gwiazda, Knowledge, 2017, USA, 3:05, Verena Kyselka, Omani Songbook, 2016, DE, 13:18, Eric Stewart, Helios, 2018, USA, 5:01, Max Sacker (DT) Belle de Lyon, 10:00, 2012 Jimmy Grima (MT) L-Iblah (The Fool) 10:00 2013, Oded Arad (IL) Bartholomew, 09:08, 2012, Karl F. Stewart (DT/US) Animaux Découpages, 04:33, 2012, Hiroki Mano (JP) Spiritual Meetin’, 05:26, 2016

Live Performance: Tristan Honsinger, Moeko Yamazaki and Woody Hoofer.

Here, DL will be doing a double-dig into its box of flickering tricks, with a program of shorts from both the Berlin International Directors Lounge Festival as well as the Urban Research side of things. There will be new projections as well, including, rumour has it, a mad monkey and film art that literally leaps into the room. Saying more would be telling.... Performers of the night include Tristan Honsinger (cello), Moeko Yamazuki (taiko drum) and the very odd Woody Hoofer (indescribable).


FATA MORGANA

FRONT ROOM

6-7 PM

Caleb Screpnek

"An illustrated book of animal sex facts"

Book Preview

For the presentation, I will show some of the drawings/corresponding stories and discuss the absurdist nature of the book. My interest in this topic is born out of the fact that humans have often found meaning by paralleling the human existence with that of the animal kingdom. Love and sex are bewildering, so fawning over monogamous penguins offers us a kind of comfort. The sharp reality to these fictions leaves us puzzled, amused, and without answers, which is exactly where I'd like my audience to be.

 

7-9 PM

Daniela Imhoff

"One night in Pjöngjang"

Video installation and Postcards from North Korea


9 PM

Lea Brugnoli

"Conversations with simple objects"

A lamp, a functional object, it´s transformed, for an emotional experience. If I turn on the light, doesn’t mean I want to see things as they really are. Things have to be perceived according to the person which is looking at it. One of the scenarios offers a macro views of the reality. I put textures into motion and transform those textures in abstract and organic video contents. The second scenario offers a projection of the actual object. The audience can influence the abstract experience of the reality. It´s inspired at the time when I was very short-sighted. Since I had the surgery, I can see very good far, but I cannot see things close, as before.


Z-Bar KINO

5-6.25 PM

“In the Other Side, by Her Side”       

Run Time: 88 min

Artists: Amanda Teixeira, Ana Paula Pollock, Ananda Aliardi , Andressa Cantergiani, Camila Leichter, Dani Amorim, Daniela Távora, Deni Corsino,Lu Rabello, Lucia Koch, Marina Camargo, Marion Velasco, Natalia Schul, Rochelle Costi, Samy Sfoggia, Sandra Becker, Tula Anagnostopoulos, Viviane Gueller

Ao lado dela, do lado de lá (In the other side, by her side) curated by Elaine Tedesco is a proposal coming from Brazil, that presents contemporary videos of women artists. In the other side, by her side is organized in four interpenetrating axes: videos that are vectors of other works; daily records; video-performances; and fictions.

 

6.30-7.30 PM

“Art of the Music Video”

Run Time: 45 min

DEBUT::: GAVRIELA, "CREATURES" Directed by RANI MESSIAS!

Playlist: 7fields, "What we have done," I-Am-Johannes, 2018; GAVRIELA, "Creatures," Rani Messias, 2017; Cinema Cinema, "Bomb Plot," David Hall & Thomas D. Rotenberg, 2017; "Nude Dance," Andre Werner, 2005; Tobias Christl, "Take On Me," Daniela Imhoff, 2014; Mary Ocher, "To The Light," Robin Lochmann, 2017; IIVII, "Painless," Josh Graham, 2017; Hindu, "There To Fight," Alina Rudya, 2017; Bankos, “Passzról Passzra,” Glowing Bulbs, 2014; Frances Gumm, "Take and Take," Wolf Vest, 1999; Richard Davis, "Singing A War," I-Am-Johannes, 2017

Musicians and visual artists are natural partners and music videos are a genre where they meet. A selection of promotional and artistic works presented in the rock and roll atmosphere of Z-Bar.

 

SATURDAY, April 21st           


FATA MORGANA

BACK ROOM

4-6 PM

“Japan Parade” (looping video program)                      

Run Time: 24 minutes

Work by: Kenji Kojima, Momoyo Torimitsu, Kenji Toma, Mami Kosemura, Motokp Wada, ON Megumi Akiyoshi, Yuki Ideguchi+Sigiure Ikeda+Masatora Goya

Curated by Kyoko Sato



A selection of works from some of Japan’s best-known video artists. Originally presented in NYC (2016) as part of the LIGHT YEAR program on the Manhattan Bridge.

 

6-8 PM

"Berlin-Based: The ZKM Connection"

Run Time: 62 minutes

Introduction by Thomas Zandegiacomo del Bel

Running Order: Susanne Wehr, “re:cut,” 15:00, 2017; Michael Saup, “Vor Sonnenaufgang,” 6:32, 2017; Marcel Schwittlick, “Fourchan Vacation,” 3:05, 2017, Matthias Fritsch, “City of Birds,” 4:30, 2017; Matthias Fritsch, “puremath-resisd,” 7:54, 2017; Matthias Fritsch, “puremath-fantom,” 6:24, 2017; Matthias Fritsch, “Honigbiene à la carte, “ 7:00, 2017, Matthias Fritsch, “Buteo / Flugstudie,” 1:00, 2017; Sina Seiler, “elefant,” 5:16, 2012; Herwig Hoffman, “it fell off a truck,” 5:41, 2011, Herwig Hoffman “A dialogue of Future Archeology,” 1:28, 2016

Screening curated by Thomas Zandegiacomo del Bel

The screening present a selection of Berlin-based artists, which are connected with or have worked at the ZKM | Center for Art and Media in Karlsruhe. The ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe is a unique cultural institution worldwide, because it is a place that expands the original tasks of the museum.

 

8-10 PM

EUROPEAN DEBUT: “Digital Fairy Tales: Chinese Stories”                      

Run Time: 39 minutes

Introduction by Leo Kuelbs

Artists: Rani Messias + Anna Leevia, Suguru Kieda, Yuki Ideguchi + Isis Salem, Nicole Antebi + Xiren Wang, Lian Mengzhou + Kinga Toth, Nina Sobell +Laura Ortman, BORDOS, Junjie Zhang + Theory, Vivian Qin,

Curated by Leo Kuelbs, Wing Lu + Able Sun

"Digital Fairy Tales: Chinese Stories" is the third installment of the Digital Fairy Tales series, which has appeared in multiple cities since 2016. "Digital Fairy Tales: Chinese Stories" begins with four common aspects of Chinese Mythology: Birth of the Universe, Persistence, Love and Eternity. Artists were presented a set of stories based upon these concepts and asked to interpret the ancient ideas in the digital era.

 

10 PM

Mitte Media Fest Party!

Brought to you by BRLO

+ Weird and Wonderful Silent Video Program

Playlist:Tomas Eller, "Construction Renderings 02" 2007, 4:19; Maria Naidyonova, "Black Cat," 2018, 1:12; Juliane Pieper, "Tank Of Love" GIF, 2018; Christine Schulz, “Untitled,” 3:12, 2015; Anatoly Rudakov, "Eternal City Rome" 5:10, 2018; Juliane Pieper, "Painting" GIF, 2018; Caspar Stracke, "urban super collider" 2015, 8:27; Eelco Brand, "FW-MOVIE," 2016; Juliane Pieper, "Pussy" GIF, 2018; Kim Joon, “CRADLE SONG - BLUE FISH,” 2009, 5:06  

 

FATA MORGANA

FRONT ROOM

5-7 PM

Adrian Pocobelli          

"J.G. Ballard and the Visual Arts"

Public Lecture

Adrian Pocobelli is a Canadian visual artist living in Berlin. He wrote his Master's Thesis on J.G. Ballard's experimental novel 'The Atrocity Exhibition' in 2004, while studying at the University of Saskatchewan. In this lecture, Pocobelli will show the influence of the visual arts, particularly Surrealism, on J.G. Ballard's writing and philosophy.

 

7-9 PM

Bettina Henningsen and Sandra Ratkovic

"Simply the Best"

Poetry and Photography Projection

Autobiographic poems about life with cancer and chemotherapy. Photos of moments of cruelty, hope, loss and warmth.

Introduction by the artists.

 

9 PM

Mitte Media Fest Party!

Brought to you by BRLO + Sabrina Basten      

“The Kruskal-Carousel “

The investigation of gravity. Paper is a serene and weightless area where everything is possible. A spatial drawing, however, demonstrates that we never see the whole, that we always only perceive perspectives and imagine the rest. In this project animation is the medium to see what influences gravity and time may have on the physical and mental space.


 

Z-Bar KINO

5-6.30 PM

“DIGITAL FAIRY TALES: Albums One and Two”

Run Time: 70 minutes

Introduction by Leo Kuelbs and Sandra Ratkovic

Artists: ALBUM ONE: Rani Messias + Kinga Toth , Sarah Mock + Daniela Imhoff, Richard Jochum + Kriss Roebling, Integrated Visions + Miss Natasha Enquist, Radka Salmannova, Thomas Rotenberg, Josh Graham; ALBUM TWO: Keegan Luttrell + Justin King, Daniela Kostova + Anna Leevia, Dada Imhoff, Kristian Pedersen + Elke Brauweiler, Anton Marini + Danielle Ezzo, Boris Kralj + Matresanch, Michael McGuirk + Alex Hamadey.

Curated by Leo Kuelbs and Sandra Ratkovic.

For the first time in Berlin “Digital Fairy Tales: Albums One and Two” are presented together. Based upon a selection of German Fairy Tales brought together by Xavier von Schoenwerth in the 19th Century and reinterpreted in the Digital Age, this set of stories recently appeared at the International Short Film Week in Regensburg, Germany and the separate Albums have appeared in over a half dozen sites in Europe and the USA.

 

6.30- 8 PM

Interactive Video Installation

"Was vom Kino übrig blieb" (What remains from cinema), André Werner, 2018. The first in a series of installations capturing glimpses of cinematica.

 

AND::::

Benhadj & Djilali

Torstrasse 170

Friday-Sunday

12-6

Hamid Sulaiman - I WISH I WAS A TREE
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Digital Hallucinations
23.03.18 - 06.04.18

Work by Juliane Pieper and Adrian Pocobelli

Opening Celebration: Friday, March 23rd, 7-10 p.m.
Finissage: Friday, April 6th, 6-9 p.m.



The lines between digital and terrestrial reality blur more every day. “Digital Hallucinations” explores this confluence.  Works drawn on screens, printed, painted, and cut out by hand present visions of a new world where handwork and digitally generated objects mingle in psychedelic harmony.
 

“Digital Hallucinations” is a continuation of shows curated by Leo Kuelbs that explore the results of this ongoing merger of these two distinct modes on human subconsciousness.  Previous shows, “Codex Dynamic,” “The Decelerator,” and others have presented reactions to the ongoing fallout of this real-time evolution.  “Digital Hallucinations” pushes matters into a more graphic direction with works both pleasing and intrusive, comforting and familiar to the edge of weirdness.
 

You know the work of Juliane Pieper through the inclusion of her illustrations in dozens of articles, books, magazines and more; while relative newcomer, Adrian Pocobelli examines the mixing of appropriated work with new visual expression. 

More information: lkuelbscollection@gmail.com


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WAYS: Christine Schulz                                    
10.03.18 - 16.03.18

Vernissage: Friday, March 9th, 7-10 p.m.
Finissage: Friday, March 16th, 6-9 p.m.

“WAYS: Christine Schulz” Is a selection of recent works by German light and installation artist, Christine Schulz.  Fata Morgana’s two rooms will be transformed into a maze of light-based objects filled with images evolved from found materials, collage and photography.  Schulz’s work warmly supports plant and animal life, human form and design with an engaging curiosity and impeccable sense of balance and color.  The imagery is projected on walls and panels, backlit or as wall hangings.  The play with light, color, layers and content gives a sense of depth of experience through time.   Always luxurious and exotic, Schulz’s mixed media installation practice provides a sense of connection and nostalgia for aggregated places and times that may have never existed.

About The Artist
Christine Schulz studied Fine Arts at the HBK Braunschweig with John Armleder, Birgit Hein and Thomas Virnich and graduated in 2003 as master student of John Armleder. In 2018 she received an artist in residence in CCA Andratx, Mallorca and in 2013 an artist in residence grant of the Künstlerhaus Bremen. In 2001 she was awarded the Förderpreis der Kunsthalle Wilhelmshaven and received a grant at the Künstlerhäuser Worpswede in 2004.  Her work has been shown in numerous group and solo exhibitions, e.g. at Kunstverein Hannover, Kunstverein Wolfenbüttel, Kunstverein Erfurt, Kunstverein Leverkusen Schloss Morsbroich, Kölnischen Kunstverein, at Kunsthalle Düsseldorf and  at the Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin. She has exhibited internationally - inter alia - in Lissabon, Mexico City and New York. In 2013 she took part in the group exhibition SCHAUPLATZ STADT at Kunstmuseum Mülheim a.d.R. And she displayed her installation GODSPEED in a solo show at the Deutschter Künstlerbund project space, Berlin. Most recently, the Kunstverein Bochum presented one of her installations on the Emscher Kunst 2013 exhibition. The art of Christine Schulz has been discussed in different publications, e.g. Kunst baut Stadt, Christine Nippe, 2011; fast forward 2, Sammlung Goetz, Ingvild Goetz (ed.), 2010; PARKHAUS, Karl-Heinz Rummeny (ed.), 2013
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Works in Collections:
Sammlung Goetz, Medienkunst, München
Kunstsammlungen Chemnitz, Chemnitz
Leo Kuelbs Collection, New York
Ahlers Collection, Herford
Sammlung Bastian, Berlin

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Spiritus Familiaris                                   Robert Elfgen & Martin Frese 
01. - 03.03.18

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Vernissage:
Donnerstag, 1.März ab 18:00
 
Torstr. 170, 10115 Berlin
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Ausstellung:

Donnerstag 18:00 - 22:00,
Freitag / Sonnabend 12:00 - 22:00

Ich möchte ein Eisbär sein im kalten Polar
dann müßte ich nicht mehr schrei'n
alles wär' so klar.
Eisbär'n müssen nie weinen. 


Text by Martin Eicher / Grauzone

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contact@martinfrese.com


Kuratiert von Konstantin Kopietz


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  Kuratiert von Konstantin Kopietz


In Kooperation mit der Staatsgalerie Prenzlauer Berg
​ Ronald Lippok - Brimford Collection

Nach zweieinhalb Jahren Kunstpause eröffnet die Staatsgalerie Prenzlauer Berg neu und ist zu Gast in der Fata Morgana Galerie.

Ronald Lippok, der mit einer Ausstellung die Staatsgalerie Prenzlauer Berg 2010 eröffnete, präsentiert neue Arbeiten. Lippok ist bekannt als Musiker in Bands wie Ornament & Verbrechen, To Rococo Rot und Tarwater. Doch er ist ebenso Musiker des experimentellen Klangs wie er ein Maler exklusiver Themen ist.
Seine Bilder senden letzte Wellen von Licht aus Welten, die allmählich verblassen. Die Sensationen von gestern sind ihm allerdings eine Form der aktuellen Nachrichtenübermittlung, am ehesten vergleichbar dem Bänkelgesang. Seiner szenischen Aufführung durch Schautafeln könnte die Malerei Ronald Lippoks dienen. Insofern ist sie ein Kind ihrer Vorzeit und tatsächlich gehen ihre Motive auch auf Vorlagen aus der sogenannten Brimford Collection zurück. Ursprung der Sammlung und die Herkunft ihres Namens sind in der gängigen Sachliteratur umstritten. Übereinstimmung herrscht bei den Experten jedoch darin, daß es sich bei Brimford wahrscheinlich weniger um eine Person, sondern vielmehr um einen Kreis handelte. Eine exzentrische und daher weitgehend unbeachtete Interpretation dieses Kreises wiederum besagt, daß er eher als das Vorbild für ein Spiegelkabinett zu verstehen sei, dessen inhaltlicher Schwerpunkt sich um Welt- und Wunschbilder, Eben- und Gegenbilder, Trug- und Lichtbilder, Luft- und Zerrbilder sowie weitere Genrebilder drehte.

Nicht den gesicherten Fakten, sondern ausgerechnet dieser auslegbaren Sichtweise der Brimfordschen Sammlung widmet sich die aktuelle Ausstellung Ronald Lippoks. Nur einem flüchtigen Blick erscheint ihre Zusammenstellung willkürlich. Bei genauerer Betrachtung deuten ihre Motive jedoch sämtlich auf eine Poesie, deren Abwesenheit die gegenwärtige Moderne in ihrer informellen und konzeptionellen Attitüde prägt. Das Interesse Lippoks gilt diesem Zeitgeist insofern, da er ihn als Travestie seiner entspiegelten Sachlichkeit abbildet und damit einem Geist jener Zeitalter huldigt, die noch einen Knick in der Optik hatten. In der Lippokschen Bildwelt ist Wissenschaft nicht die Zulieferindustrie eines Fortschritts aus keimfreien Laboren, sie steht noch für ein öffentliches Spektakel; in der Forschung ringt die Frage des Glaubens weiter mit dem ungläubigen Staunen vor fremden Welten; Technik ist ein Wunderwerk der Technik und frei vom Widerspruch zwischen Ornament und Funktion. Insofern legt Ronald Lippok die Folien zweier Welten übereinander; die eine ist Realität, die andere war Wirklichkeit. Die Brimford Collection widmet sich deren Urformen, ihren Interpretationen sowie den psychonautischen Karten eines mythen-gesättigten Bezirks.


  
​Kuratiert von Konstantin Kopietz
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hwww.staatsgalerie-prenzlauerberg.de/?inhalt=maler&id=86

Vernissage 23. November - 19-22 Uhr
Ausstellungsdauer 24. November bis 02. Dezember 2017
Öffnungszeiten: täglich 16 bis 20 Uhr (auch am Totensonntag)
Finissage 02. Dezember - 18 bis 21 Uhr

Fata Morgana Galerie, Torstraße 170, 10115 Berlin
0176 7020 7696 (für diese Ausstellung)
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Fata Morgana
“FoLD: Fear of Life+Death”
Installation and Paintings by GODsDOGs


Events:

Vernissage: 
Friday, October 27th; 7-10 p.m.
Champagne Toast + Artists’ Introduction: 8 p.m.

Finissage:
Sunday, November 5th; 4-7 p.m.


Opening times:
Saturday Oct 28th  3 - 6 pm
Sunday Oct 29th  3 - 6 pm
Tuesday Oct 31st 3 - 6 pm
Wednesday Nov 1st 12 - 4 pm
Thursday Nov 2nd 12 - 4 pm
Friday Nov 3rd  3 - 8 pm
And by appointment: contact helbig@godsdogs.de


“FoLD: Fear of Life+Death”
Leo Kuelbs Collection is proud to support GODsDOGs (Britta and Ron Helbig) and their installation event “FoLD: Fear of Life+Death,” at Fata Morgana in Berlin, Germany. This immersive selection of sculpture, paintings, and performance is inspired by the annual “Day of the Dead” holiday, which brings together the world of the living with that of the other. Just as winter begins and the final leaves fall from the trees, this short period marks the end of the harvest season and the closest point of contact between worlds.

The large-scale, site specific sculptural elements beckon viewers, from both sides, through hundreds of portals, vacant spaces waiting to be inhabited by imagination and communal contact. The rooms of Fata Morgana become analogous to the transitory realities just outside the reach of our consciousness, with a series of paintings serving as objects of revelation and inspiration. Beauty, mystery, faith and hopefulness are suffused in the “FoLDS,” and all are welcome to be a part of this living work of art.


GODsDOGs on “FoLD: Fear of Life+Death”

Colors, branches and objects grow exuberantly across the walls of the space - worlds within worlds. This mass of images, associations, materials and details communicate overflowing life. At the same time it is scary. You find yourself not safely vis-avis to a piece of art on a white wall, but the artwork swallows you. The spectators are literally dwelling inside the installation and hence become a part of the artwork.

So this outside form, mirrors and resonates the content of the show: Fear of Life and Death.

Don´t fight it. Let go, and let yourself be swallowed by the forms, the images, the lines... the abundance.



About GODsDOGs:

Britta & Ron Helbig studied contemporary dance and movement theater in London, Lichtenstein, the Conservatory, Linz and the dance academy balance one in Berlin before they were compelled to the visual arts. With a background of studies in painting and fine arts at the Berea College, Kentucky; the Philipps Universität Marburg, the UdK Berlin, and an excessive experience of various practises in building and construction work they are autodidacts in most artistic techniques.

As part of the 5-membered artists group "Artists Anonymous" they worked for four years in the fields of Installation, Painting, Photography, Video and Performance and since 2010 as the artists collective GODsDOGs.


More Information:
GODsDOGs
Leo Kuelbs Collection
FataMorgana

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Leo Kuelbs Collection Presents:                                Vadim Schaeffler: Landing Zone

Video Art + Installations

October 19th - 22nd


Fata Morgana                                                                
Torstrasse 170, Berlin 10115


Opening: Thursday, October 19th, 7-10 pm
Champagne Toast and Artist Introduction: 8 p.m.


Additional Screening: Saturday, October 21st, 6-8 pm.
Also by appointment

 
About Landing Zone

Over the past 15 years, Berlin-based video artist Vadim Schaeffler has quietly created a strong body of digitally-animated work, which has made its way to cities across Europe and the USA.  Schaeffler’s “perfect dystopias” feature figures in transition from human to digital; oftentimes falling through one reality and state of being into another.  It’s a graceful fall, a vertical descent into a future that reveals itself moment by moment. 

 
It’s this cool feeling of controlled chaos that unites work like 2012’s “Kugelstaadt” with earlier work, such as the classic video “Motion” (2010) and later works like “Earth Revisited” (2015) and the NH Collection Video Art Prize winner, “The Traveler” (2016).  Taken together, Scaheffler’s body of work is comfortably disturbing and reassuringly disorienting.  Like a recurring dream, which is strangely different each time the similar sensation is encountered.

 
The Leo Kuelbs Collection is proud to sponsor this amazing selection of work, installed together, at Fata Morgana for a few short October nights n 2017.  The group of videos includes works seen on the Manhattan Bridge, in huge Norwegian window displays, at galleries and art fairs, as well as collected works.  Vadim Schaeffler's Landing Zone is an amazing opportunity to be immersed in work of one of Berlin’s best creators of digitally animated video art.


For more information:

Vadim Schaeffler

RSVP on Facebook





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Metallgestaltung-Bieniek Bizetstrasse 88 13088 Berlin  030/34088747   mobil:0173/7444492
kontakt@metallgestaltung-bieniek.de               www.metallgestaltung-bieniek.de
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​RICHARD JOCHUM
80% Know 20% Am
June 30 – July 3, 2017
Opening Reception: June 30th, 2017, 7 – 10 PM
 
80% Know 20% Am will be on exhibition at Fata Morgana Galerie in Berlin, Germany from June 30th – July 3rd, 2017, presented by LeoKuelbsCollection.  Among other works, New York-based media artist, Richard Jochum, will feature an interactive version of his crowd-sourced Crossword Project and Catch, a dual channel video installation with two people playing “catch.” 
 
Crossword Project is a dynamically rendered, interactive crossword animation projecting crowd-sourced questions that change every few seconds. Viewers may submit questions through a webform (crosswordproject.tumblr.com) or Twitter feed (#crosswordproject). Questions are fed to a database and channeled to the video screen in real time, allowing viewers to see their questions manifest before them. This work explores participatory work as a means of public discourse. 
 
In Catch, which alludes to the childhood game, two people toss cell phones between each other. The videos recorded by each of the two phones during the playful game will be shown next to each other as a projection. Referring to a pervasive selfie culture, the recordings capture the players and their environment in topsy-turvy slow motion.
 
Richard Jochum is a media artist with a strong focus on video, video installation, performance and conceptual photography. He has shown his work in more than 140 exhibitions worldwide and is represented by Gallery Bundo in South-Korea and Gallery Lindner in Austria. An associate professor of art and art education at Teachers College, Columbia University, he is currently a studio member of the Elizabeth Foundation for the Arts in New York. More information can be found at http://richardjochum.net.







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On june 9th the exhibition" Mattresses Of Berlin "   
at Fata Morgana Galerie, Berlin will show 20+ photographs of abandoned mattresses from Berlin and beyond.
https://www.facebook.com/events/372183586476996/
The vernissage starts friday, june 9th at 5pm - 8pm
In the context of the exhibition " Mattresses of Berlin " and
as a part of the Torstraßen Festival line-up, Felix-Florian Tödloff presents at saturday june 10th at 2pm a two-hour live sound installation – a site-specific soundtrack dedicated to mattresses and their photographic replicas.
http://www.torstrassenfestival.de/fata-morgana-galerie/
http://www.torstrassenfestival.de/felix-florian-todtloff/

The finissage: thursday, june 15th 5pm - 8pm
The exhibition" Mattresses Of Berlin " is part of  World Mattress Day. On June 9, mattress lovers across the planet unite to celebrate the first ever World Mattress Day! Join us for a day of fun & festivals! We spend a good part of our lives on a mattress without really thinking about it. It’s a relationship that lasts longer than most.
So we ask: what’s our relationship to it and how do others get on with theirs? On World Mattress Day we want to focus on all things mattress. Let’s all hang out! And ... may the mattress be with you!

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​Kuratiert von Konstantin Kopietz


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​Spring Forth: Works by Maria Naidyonova and Kai Teichert

Opening Friday, June 2nd
7 pm – 10 pm

​June 3rd - 5th
12 pm-5 pm or by appointment

“Spring Forth”
Celebrate Spring in full bloom with a selection of new figurative paintings and drawings from Maria Naidyonova and Kai Teichert at Fata Morgana. Once winter releases its grip, and spring finally comes into its own, comedy has begun and romance can begin to blossom. This group of work finds itself somewhere in this annual dance out of irony and into a new season of fertility and promise.

Kai Teichert continues his exploration of the spring of eternal youth, while never forgetting what time has in store for everyone. Maria Naidyonova’s female figures on found canvases breathe new life into discarded dreams. All new works making their international debut in Berlin’s vibrant Mitte neighborhood for one spring weekend only. 

RSVP here!

Image provided by Maria Naidyonova

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Mitte Media Festival is pleased to present a two-day, multi-venue celebration of video, film, publication and performance works through a spectrum of media   May 5th and 6th of 2017. 
The realization of an idea, as it winds its way through the human mind and body, then is communicated to other creative entities, and finally translated and presented in other media is the process from which Mitte Media Festival draws its conceptual energy.
Hosted by Fata Morgana and its partners and presented in a small group of venues in Mitte, Berlin, Mitte Media Festival also shines a light on the neighborhood’s role as a hub of creation and presentation of multi-media work, as well as the start-up culture that often powers these dynamic permutations. The sheer change and transition that has occurred in Mitte in the last 10 years makes the area a perfect example of the collision between the terrestrially creativity and ever-expanding digital processes and platforms. 


Book presentations, experimental video shows with discussion and other events will typically be presented in two-hour slots, allowing viewers to encounter a variety of work in a variety of settings. 


Mitte Media Festival partners include: FATA MORGANA, Z-BaR/Konstantin Kopietz ,Leo Kuelbs Collection, Last Night in Berlin, Chased Magazine, Directors Lounge,BRLO and more. 



​FESTIVAL LOCATIONS:

FATA MORGANA 
Torstrasse 170 
10115 Berlin

Z-Bar
Bergstrasse 2
10115 Berl
in


FESTIVAL SCHEDULE: 

FRIDAY, MAY 5TH

FATA MORGANA
Front Room
2-5,30 pm: “Destiny TV” by Nina E. Schönefeld  Sculptural Installation/2017
6-8 pm: "de--traffic" - A sound-text-installation & performance by Kinga Tóth, Bettina Henningsen and Andreas Pinkow with "The Language Factory" with Kinga Tóth 
8-10 pm: videos by Berna Reale, Annique Delphine and Nina Schönefeld
10-12 am: AFTER PARTY!sponsored by BRLO   - BRLO is the old Slavic origin of the name of Berlin and is a craft beer brewery from Berlin. BRLO is only working with selected raw material suppliers and the beers are brewed with artisanal qualities in small-scale batches. Further, from every bottle regional community projects are financially supported. After two years of being gypsy brewers, mid of January BRLO has opened its own brewery and gastronomy at Gleisdreieck, Berlin: the BRLO BRWHOUSE. 
Back Room
2-4 pm :“TRIPS" Hallucinatory Work, presented by Leo Kuelbs Collection 
4-6 pm: “SUBMERGED!" with Danielle de Picciotto and Alexander Hacke, Sam Marlow and Alon Cohen, Nicole Antebi and Laura Ortman, Kitzinger Gabor and Alex Hamadey, Shir Lieberman, Jonathan Phelps and Fabio Fonda, United VJs, Jim Ellis Presented by Leo Kuelbs Collection
6-8 pm: ZEBRA Poetry Film Festival Videos
10-12 pm: AFTER PARTY!




Z-BAR
4-10 pm: "Berlin-Based" Short Films with Daniela Imhoff, Juliane Ebner, Franz Mueller, Matl Findel, Amir Fattal and others.
Presented by Z-Ba
R/Konstantin Kopietz, Leo Kuelbs Collection and Directors Lounge 

3:52-4:24 pm:
“Walter” by Danielle Imhoff
Exp. Documentary, 32 mn 2014
Walter was a Chief Pharmacist during WW2.
He took part in the Russian campaign from 1941 to 1942. As a passionate amateur-filmmaker he shot the everyday life of the 129th Infanterie-Division. 70 years later, the historical footage is coincidentally passed on into the hands of his granddaughter, video artist Daniela Imhoff, initiating a process of reexamination of personal and family history. Comprising original footage of her grandfather and of Daniela Imhoff’s own journey to Russia, "Walter" documents a journey in the footsteps of war, focusing on questions of identity and relationship between the generations, and not least, reflecting upon the role of the camera as a means of meaning and reality production. 
The Film, while labelled documentary, makes use of experimental technique and unconventional form, in order to be true to the material on one end, and to reflect upon certain issues raised in the process on the other.

4:25-4:50 pm:
“A Voyeur’s Diary” by Sunken Kim 

English / Korean Subtitle; 25 mn 
Digital HD 
Germany, 2013 
A Voyeur’s Diary is an epistolary-experimental film. It’s also a travelogue and melodrama of a female filmmaker who failed to make a pornographic film and instead turned the footage into a letter to her lover. In process, she is brought to disillusion that her attempts to pursue her desires displace herself from her own memory, unintendedly segregating the images from her memory-film. It compels her to make a decision to leave her own creation as well as her lover.

4:51-5:19 pm
“Landstrich (Stretch of Land)” by Juliane Ebner

Handpainted film; 30 mn 
Germany, 2016
A story about silence, remembrance and the power of narratives.
The half-hour-long short film Stretch of Land, based upon hundreds of drawings, tells of a German family's fate between the end of World War II and the Fall of the Berlin Wall. The film begins with these sentences: 
After the war my grandmother had a bad conscience because she was still alive. Her husband gave her a pistol and told her, if the Russians come, she should shoot first the children, then herself, and she didn't do that.”Like all films by the artist Juliane Ebner, Stretch of Land is inspired by her biography and not focused on official history but on individual perception.


5:20-5.35 pm:
“From the End to the Beginning” by Amir Fattal

Digital Format; 14.22 mn
Germany, 2014
Performance video based upon Wagner’s “Vorspiel and Liebestod.”  Music by the Zafraan Ensemble, performed by Denise Beck, conducted by Holly Mathieson.

5:35-5:51 pm:
“die bewohnte insel” by Franz Mueller

Time-based, Digital Medium; 16.00 mn 
A park in summer. People come and go. Two women talk about love, sex and getting older. A man jogs, another one dies. A remote controlled car comes into the picture. A whistling sound. In the background trees are being pruned. And while we humans in our innate desire to decipher patterns in everything that we see, try to figure out what is going on, a pattern appears in the image: A red diagonal cross of clothes and objects can be seen for a moment if one connects all the Red in the picture. Just to be blown away in the next moment.

6-10 pm:
Directors’ Lounge Presents
“Shots in the Light and in the Dark”

The first section is all about reception, pictophagia and the autopoietic beauty of images.  
The second is a wild rollercoaster about the eternal question "Have you ever seen an experimental film?"  Together it’s a buffet of tasty tidbits from 10 years of Directors Lounge, films about self -esteem, aliens, art, moms, toasters and the whole universe.

Program One (80 min),  5 May, 6 pm at Z-Bar:

Stefan Adamski (PL) Induction 3 min 2007
Neil Needleman (US) Meeskeit 7 min 30s 2009
Jes Benstock (GB) Phosphenes 10 min 2002
Michael Betancourt (US) The Kodak Moment 2 min 2013
Xavi Sala (ES) La Parabólica 12 min 2007
Sasha Waters Freyer (US) An Incomplete History of Pornography, 1979, 8 min 2013
Jean-Gabriel Périot (FR) 21.04.02 9 min, DV, 2002
Faith Holland (US) RIP Geocities  2 min 31s  2011
André Werner (DE) The Custom of Eating Pictures 9 min 1997
Santiago Parres EZO (ES) Sinecdoquanon 7 min 29s  2011
Tokomburu / Zisis Kokkinidis and Ion Papaspyrou (GR) I Am Not Here Now 9 min 30 s 2013
 Program Two (96 min), 5 May, 8 pm at Z-Bar:  

Alexei Dmitriev (RU) Dubus 4 min 9s, DV, 2005
Coleman Miller (US) Uso Justo 22 min 2005
Matthew Lancit (FR/CA) 16 Reasons Why I Hate Myself 03:32
Alexandru Ponoran (RO) Isac Inca Doarme 17 min 2012
Samuel Blain (GB) In Dreams 3 min 57s   2011
Bryan Konefsky (US) Miss Yummy Yummy 4 min 2012
Guy Maddin (CA) Sombra Dolorosa 7 min 35s
Nina Lassila (FI) Günter und Mutti  3 min 17s 2011 (Distributor: AV-arkki) 
Chema Garcia Ibarra (ES) The Attack of The Robots From Nebula-5 
6min 20s 2008 
Javier Chillon (ES) Decapoda Shock  9 min 15s  2011
Luca Zuberbuehler (CH) Lothar 13 min  2013
Oliver Smith (GB) Bob by Oliver Smith 2 min 31s 2013




SATURDAY, MAY 6TH

FATA MORGANA

Front Room 
4-6 pm: "Between Crowds and Empires"
6-8 pm: “Past Nor Present”- Media Art Project by Carsten Becker
8-10 pm: "MOSKAU, MOSCOW, MOCKBA" - book signing and exhibition with Sandra Ratkovic

Back Room
2-4 pm: “Examining Darkness" - Goth Art Show presented by Leo Kuelbs Collection
4-6 pm: DIRECTORS LOUNGE Presents Length TBD    
This third selection of work presented at Mitte Media Festival by Directors’ Lounge explores the boundaries where video art and cinema merge. 

6-8 pm: “Digital Fairy Tales: Album One" with work by Rani Messias + Kinga Toth , Sarah Mock + Daniela Imhoff, Richard Jochum + Kriss Roebling, Integrated Visions + Miss Natasha Enquist, Radka Salcmannova, Thomas Rotenberg, Josh Graham; Curated by Sandra Ratkovic and Leo Kuelbs, Presented by Leo Kuelbs Collection 
8-10 pm: OFFICIAL EUROPEAN RELEASE: "Digital Fairy Tales; Album Two" with work by Keegan Luttrell + Justin King, Anton Mairni + Danielle Ezzo, Daniela Kostova + Anna Leevia, Daniela Imhoff, Kristian Pedersen + Elke Brauweiler, Boris Kralj + Matresanch, Michael McGuirk + Alex Hamadey. Curated by Sandra Ratkovic and Leo Kuelbs. Presented by Leo Kuelbs Collection. Intro at 8 pm sharp!
10 pm-12: AFTER PARTY with videos by Berna Reale, Annique Delphine and Nina Schönefeld sponsored
  by  BRLO!



Z-BAR

4-5:05 pm: "Attachments" 
30 mn approx./looping twice
“Attachments” is a set of three short films, set in three different countries, exploring what happens when fate intervenes, be it in the form of another person, an event, an affliction, etc. and attaches itself to us, effectively changing who we are forever.  
Work by Matl Findel, Miklos Buk , Danielle de Picciotto, Alexander Hacke and David Yow.

Presented by Z-Bar / Konstantin Kopietz and Leo Kuelbs Colleciton

5.06-6 pm: "Berlin-Based" 
25 mn/looping twice
Group show of Berlin-based artists, loosely based on Berlin as a muse. 
With Daniela Imhoff, Matl Findel, Sarah Mock, Vadim Schaeffler, Kristina Paustian and Thomas Draschan
Presented by  and Leo Kuelbs Collection
6-8 pm: "Berlin-Based: Gender and Sexuality" 
40 mn approx./looping 
Leave the kids home for this one.  A selection of content from a broad range of artists, covering an equally broad range of perspectives. 
With work by Thomas Draschan, Christopher Winter, Franz Reimer, Kristina Paustian, Kai Teichert and Lan Hungh, and Jana SchulzPresented by Z-Bar and Leo Kuelbs Collection
8-10 pm: "Hybrid Realities" 
90 mn/single screening!
“Hybrid realities - about the smooth transition:” The screening includes a variety of video works that deal with the correlation of life & art and its smooth as well as non-smooth transitions. Similar to the strangely stuffed fox (shown on the screening poster) that happens to become a peculiar, aesthetic object, the artists approach moments of everyday life, different places, uninvolved people or unfamiliar professions and create new levels of meaning.
With Videos by Andrea Eva Gyori, Lukas Marxt, Julia Charlotte Richter and Barbara Hirn, Lucie Mercadal, Flaut M. Rauch and Ann Schomberg, Alex McQuilkin, Corinna Schnitt, Clemens Wilhelm, Sarah Mock, Stefan Ramirez Perez, BittebitteJaja

Curated by Sarah Mock

THE FESTIVAL IS SPONSORED BY:
BRLO
Fata Morgana
Directors Lounge 

Leo Kuelbs Collection
Last Night in Berlin
Chased
Z-Bar / Konstantin Kopietz




Media and Press Inquiries:
Leo Kuelbs
lkuelbscollection@gmail.com
Sandra Ratkovic
info@sandra-ratkovic.com

More information at:

www.leokuelbscollection.com


Promoted Stories by Adrian Pocobelli. Feb. 1-7, 2017. 
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Public opening on Thursday, Feb. 2, 6-10 PM.
​

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"Little Viral Things" by Adrian Pocobelli,  iPhone 6S, digital drawing, 2017. ​

                                                                                                                             Kuratiert von Konstantin Kopietz

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Fata Morgana Galerie      Berlin Mitte      Torstraße 170  
       
Ausstellungsdauer 9 - 23 Dezember, 2016

ERÖFFNUNG Freitag 9 Dezember 18.30 - 22.00 Uhr   
    
Täglich 11.00 - 20.00 Uhr oder nach Vereinbarung 

Pressemitteilung / Press Release

Artikel / article in ARTVOICES magazine (nach unten scrollen / scroll down)

VIDEO of the show

www.egonzippel.com         info@egonzippel.com         +1 917 497 7200


D E V A N D A L I Z I N G
 
The "Devandalizing" series involves recycling “communication” from appropriated stickers, graffiti tags on visitor ID labels and similar items, and other fragments of urban signatures found on the streets of various cities around the world. These artifacts of urban life are then regrouped onto canvases in chaotic, random, or well-defined (geometric) compositions, which emanate contemporary culture.
 
The stickers are collected from the streets of various cities like Detroit, Berlin, Las Vegas, Quebec, Montreal, Palermo, Catania, Naples, Rome, Florence, Milan, Havana...  and of course, New York. In other words, these are all ORIGINALS, the "real" thing!
 
Excerpts from an Interview (NYC 2012, by Lin “Quik” Felton)
 LF: One has seen your work morph frequently and radically over the years. How do you view your creative self today?
EZ: I am a traditional  HUNTER and GATHERER! I used to go for mushrooms and berries. Now it’s stickers.
LF: Is it painting or conceptual art?
EZ: Does it matter!?! I enjoy roaming and stalking the cacophonous streets, sometimes in the wee hours of Manhattan’s pre-dawn equipped with my ever trusty and sturdy ladder hunting unique stickers that tumble and visually rumble across the borough’s urban crust.
LF: How do these new works take form and represent this reflection of man’s primitive nature to discover and explore?
EZ: Ha! I DEVANDALIZE and PRESERVE. To formulate my idyllic street harvest into art, I manipulate the tags and stickers as painting. The medium is really the message. Or to say it with simpler words: I am having fun to paint with the paint the city is providing me.
 

C V
 
Egon Zippel was born in Timisoara, Rumania in 1960 to German parents. When Nicolae Ceaușescu rose to power in 1964, the Zippels presciently left for Mannheim/Heidelberg, Germany to begin life anew.

Egon studied graphic design at the University of Mannheim whence he received a Fulbright Scholarship comprising an introductory month at Georgetown University in Washington, D.C. and the academic year of 1984-85 at the University of Texas in Austin. Over the next few years Egon studied computer graphics at the New York Institute of Technology and finished his postgraduate studies at the Institute for New Media at the Staedel Art Academy in Frankfurt from 1993-94.

During the early ‘90s he lived primarily in Italy until eventually settling again in NYC in 1996. Currently, Egon maintains studios in New York and Berlin.

Egon believes in both predetermination and free will - wrestling with this contradiction makes daily life rather complex (and fun).


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Light Year 20: Attachments

Thursday December 1st 
​Berlin: 
Torstraße 170 from 12 noon
New York: Anchorage Place and Pearl St. Brooklyn from 7pm


“Attachments” is a set of three short films, set in three different countries, exploring what happens when fate intervenes, be it in the form of another person, an event, an affliction, etc. and attaches itself to us, effectively changing who we are forever. It is a step forward towards blurring the lines between video art and experimental cinema. These were the basic premises presented to the three contributing artists.

Featuring work by:
Matl Findel,
Danielle de Picciotto with Alexander Hacke & David Yow,
Miklos Buk


Curated by Leo Kuelbs.

A live stream of the show will run from 6pm on 12/1 until 6pm on 12/2 - check it out here: http://ustre.am/1x02e

The team from LIGHT YEAR (Leo Kuelbs Collection, Glowing Bulbs, John Ensor Parker) are happy to announce that LIGHT YEAR will now be screened each First Thursday and Friday of the month in Berlin at Fata Morgana (Torstrasse 170; Mitte)!

About LIGHT YEAR:
LIGHT YEAR is an ongoing project presented by 3_Search (Leo Kuelbs Collection, Glowing Bulbs and John Ensor Parker) in collaboration with the DUMBO Improvement District and NYC DOT. Originally created in celebration of the United Nations’ declaration of 2015 as the Year of Light and Light Art, LIGHT YEAR has hosted the work of over 100 artists and curators from around the world.

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Paragraph. Zur Bearbeitung hier klicken.

​Winter Seasoning Opening Weekend 

Torstraße 170
Thursday, November 10th-Sunday, November 13th
Hours:
Thursday Grand Opening: 6-10 pm
Friday: 12-8pm 
Saturday: Reception and Party: 6-10 pm
Sunday: Brunch 11 am-2 pm - Artist Studio Visit


Exhibiting Artists: 
Leonid Keller, Pola Brändle, Nina Schönefeld, Tahian Bhering, Christopher Sage, Heike Gallmeier, Robin Resch, Andrés Galeano, Various and Gould, Carlos Silva, David Biene and Nico Brodersen

“Digital Fairy Tales; Album One” Berlin debut! 
Screening at 6.45 and 8.45 pm Thursday and Saturday 
(35 Minute Program) 
Curated by Sandra Ratkovic and Leo Kuelbs
Work by: Sarah Mock + Daniela Imhoff, Integrated Visions + Miss Natasha Enquist, Radka Salcmannova , Rani Messias + Kinga Toth, Richard Jochum + Theory, Tom D. Rotenberg, Josh Graham

For more info visit leokuelbscollection.com

Image provided by Sarah Mock
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Fata Morgana Galerie 
Torstrasse 170 
Berlin, DE 10115
Opening September 15th  18:00 - 21:30
From September 15th - September 29th (Open from Wed - Sun by appointment) 

Extant 
adjective ex·tant \ˈek-stənt; ek-ˈstant, ˈek-ˌ\
in existence : still existing : not destroyed or lost

Curated by Keegan Luttrell 

Artists: 
Michelangelo Contini 
http://michelangelocontini.com
Ida Koitila http://www.idakoitila.com
Tina Mariane Krogh Madsen http://www.tmkm.dk
Olga Tzikouli http://www.olgatzikouli.com
Nuno Vicente http://www.nuno-vicente.com

How do we reflect our existence through interventions with objects, materials and instances in order to pose questions about our own humanity? Extant looks at artists who are using their practice to understand not only our existence as a human race, but also how objects contain themselves through creating a sense of awareness and contradiction. Extant pushes beyond the threshold of what it is to know and embody, resulting in a contemplation of how we can contain what remains. 

Spanning several mediums and forms, the artists of Extant bring matter out in the open by re-contextualizing the inherent nature and properties of the objects in play. The struggle between the overt and the covert is continuously taking place, procuring new methods of determining the validity of our existence. ​

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MISS YUNIVERSE
01. Juli – 10. Juli 2016, Mon-Son 12:00 - 17:00

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Die neue Serie MISS YUNIVERSE des Modefotografen Boris Kralj, der aus einer Gastarbeiterfamilie stammt, zeigt glamourös-dämonische Portraits jugoslawischer Volkssängerinnen.
In den 1970er und 80er Jahren traten die prunkvollen Sängerinnen aus Jugoslawien nicht nur in ihrem Heimatland, sondern häufig auch vor deutschen Gastarbeiter_innen auf. Live auf der Bühne oder auf VHS-Kassetten, die wieder und wieder in ihren Wohnzimmern, gemeinsam mit Freunden und Familie, abgespielt wurden. Ihre Texte waren melancholisch, handelten vor allem von Leid, Liebe, Schmerz und Einsamkeit. Boris Kralj erinnert sich noch genau an die schillernd-schönen Frauen der MISS YUNIVERSE und an die gemeinsamen Video-Abende: „Ihre Stimmen und ihre Musik erwecken noch heute Euphorie und Beklemmung zugleich. Während die mondänen Frauen sangen, habe ich beobachtet, was für enorme Auswirkungen sie auf meine Familie und meine Umgebung hatten. Die Fernsehzuschauer_innen schienen sich in Marionetten zu verwandeln. Sie haben sich singend und weinend an ihre Herzen gefasst. Die Sängerinnen schienen sie wie Sirenen in ihren Bann zu ziehen.“ Die Bilder – Found Footage der letzten VHS-Kassetten aus Jugoslawien – zeigen Momentaufnahmen dieser Frauen, in denen ihr verführerischer Ausdruck einem dämonischen weicht. Ihre dramatische und ekstatische Mimik und Gestik lässt ihre wie von Schmerz entstellten Gesichter fast unheimlich erscheinen. Ohne Bewegung und ohne Ton werden sie ihrer Macht beraubt. Sie werden den Betrachter_innen als regungslose und dennoch schaurige Subjekte hinter Glas präsentiert. Wehrlos und still. Ihre Show ist zu Ende. In dieser künstlerischen Arbeit Kraljs wird ein Stück jugoslawisch-deutsche Kulturgeschichte verhandelt. Dabei ist der Blick zurück nicht verklärt, sondern kritisch. Er reflektiert die ambivalente Wirkung der Sängerinnen auf Gastarbeiter_innen in Deutschland und West-Europa.
 


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Hungarian visual art group, Glowing Bulbs presents their latest immersive projection controlled by an analogue drum set - available for all visitors to play on and trigger the imagery projected on the walls. Although the installation takes place in a single 20 m2 room, visitors may have the impression of standing into an endless void, and modify their surroundings with a musical instrument.

Glowing Bulbs is a Budapest and New York based visuals studio specialized in architectural mapping, video installations and live vj performances. They have been working with musicians, theaters and festivals all around the globe ranging from hard techno to classical music, contemporary dance to ballet, and appeared at major Hungarian and US festivals as well as mapped several well-known architectural masterpieces of the world. They are not new to the Berlin scene either as they already performed at Kraftwerk and Collegium Hungaricum Berlin numerous times.

S Olbricht is a producer and co-owner of Farbwechsel Records. He walks on the obscure side of the electronic music landscape and during his restless journey he explores the blurred territories between murky techno and melancholic house combined with ambient sound and abstract rhythms.

Jü is a Hungarian power jazz trio bridging the gap between free jazz and hellacious, distortion-laced, guitar-driven hardcore rock. Beside dozens of Hungarian groups, the members have played with international musicians such as John Zorn, Eugene Chadbourne, Charles Gayle, Chris Potter, William Parker, and Hamid Drake.

Glowing Bulbs​

S Olbricht


​Kuratiert von Konstantin Kopietz



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steveh@danielmichaeljohnson.com
www.danielmichaeljohnson.com

https://www.facebook.com/events/1698983697017731 / 
https://www.facebook.com/daniel.michael.johnson 

  Kuratiert von Konstantin Kopietz


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'OFFstage' heisst das aktuelle Projekt des Berliner Fotografen David Biene, an dem er seit 2005 immer wieder gearbeitet hat.
Wie bei dem Grossteil von Bienes freien Arbeiten geht es auch bei dieser Serie um das Authentische, das Echte, das er mit Vorliebe analog auf Film fotografiert.
Dafür portraitierte David Biene nationale und internationale MusikerInnen und Bands vieler Genres in dem Moment unmittelbar nachdem sie die Bühne verlassen haben. Dabei verfolgt Biene ein strenges Konzept. Nichts soll die Energie zerstören. Nichts soll ablenken von den Personen und ihrem Ausdruck in dieser Situation:
Keiner der Protagonisten hat Zeit sich zurecht zu rücken oder zur Ruhe zu kommen. Der Fotograf gibt weder Anweisungen noch wird er das Bild später manipulieren.
Biene fotografiert diese Arbeit, wie auch seinen ersten Bildband 'Hopped-Up', analog. Der Aspekt der analogen Technik verstärkt für David Biene die Authentizität, bildet so die Leidenschaft der ProtagonistInnen, der Energieträger, unverstellter ab und unterstreicht sie.
Mit seiner klassischen Hasselblad Mittelformatkamera, belichtet Biene pro Einsatz exakt einen Rollfilm, dh maximal 12 Aufnahmen.
Biene begeistert auch bei dieser Arbeit wieder besonders das Echte, das Erlebbare - kurz gesagt die Leidenschaft. Die Energie.
Diese spezielle Energie der Situation fängt Biene ein und macht so die Euphorie und das Adrenalin der ProtagonistInnen für den Betrachter der Bilder erlebbar.

Die erste Ausstellung zur Arbeit OFFstage wird am 12.05. in der Galerie Fata Morgana in der Berliner Torstrasse eröffnet und wird dort bis zum 20.05.2016 gezeigt.
Sie wird eine Auswahl von 22 Aufnahmen präsentieren, die in Formaten von 75x75 cm, 100 x 100 cm und 180x180 cm gezeigt werden.
Aus dem vorhandenen Material von 120 KünstlerInnen und Bands werden bei dieser Ausstellung die folgenden gezeigt:
Annett Louisan Beatsteaks Bonaparte
Biffy Clyro Casper
Charles Bradley Chris Isaak Demented Are Go Die Mannequin Fettes Brot
Flo Mega
Guitar Wolf
Handsome Furs
Imelda May
Jan Delay
Kadaver
Mad Sin
Materia
Polysix
Queens of the Stone Age Sido
Wiz Khalifa

David Biene lebt als freier Fotograf in Berlin.
Nach seinem autodiktatischen Einstieg hat Biene am Lette Verein Berlin Fotografie studiert und 2003 erfolgreich abgeschlossen.
Zu seinen Kunden gehören Firmen, Agenturen und Magazine, für die er Aufträge im Bereich Portrait-, Dokumentar- und Reportagefotogafie sowie Mode- und PR-Fotografie realisiert.
2009 erschien Bienes erster Bildband 'Hopped-Up'
( 240 Seiten/ Hardcover, vergriffen in 1. Auflage nach ca 4 Monaten)
Fotografien von David Biene wurden in Gruppenausstellungen in Galerien in Japan, Chile und dem Libanon sowie in Einzelausstellungen in Galerien in London, Berlin, München und Düsseldorf gezeigt.
david biene
Fotografie
www.david-biene.de 
+49 176 2122 8313
contact@david-biene.de
  • https://www.facebook.com/events/1032816790125977/
​Kuratiert von Konstantin Kopietz

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22.04.2016
The Shanghai Mop / First Lamps
Anders Hellsten Nissen












​




1.04.-10.04.2016

Dataismus 100 - daDa 100 !
Vagabundierende Kunst & Wunderkammer von                                               Rainer Görß



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Rainer Görß  
 
Dataismus 100 - dada 100!  Da Da wahr geworden! 
im Data- ismus! in den Rhythmen der Algorithmen 

Data hier data da, data ne da, doch da Data da 

​Der Anlass; die Geburtstagsfeier 100 Jahre Dada - Post Explosiv!
dem Ausbruch der medialen Moderne im I Weltkrieg folgen 
die globalen Horror Vacui Implosionen des Dataismus.

Das Unterfangen; eine Raumcollage als begehbare Suchmaschine - versucht 
analoge Analogien assoziativer Schnittstellen zwischen
dem köstlichen Dada Leichnam - cadavre exquis, und 
der collagenlosen  „Sozialzerrissenheit“  der Echtzeitkrise. 

Die Umsetzung; am Strom der Gezeiten, Künstler - Sammlungsauszüge aus
Objekten, Schriften, Diagrammatik, Zeichnungen, Fotos.  
Ein Kreisschlag zwischen Big Data - reanalog, Prozessmodell
Systemfragen, eine Zeitraum Fragmentierung - Defragmentierung. 


Im Zeitsprung; Die Gegenwart ein unendlich kleiner Punkt
der Übersetzungsillusion Vergangenheit, Zukunft.
Das Missverständnis ist der Motor der Motorik.
 


Die Methode; gewachsen in Berlin Mitte Ost seit 1982 
Nach Installationen im neuteutschen Kunstsystem der 90er, 
die Millennium Re - Untergrundverortung im Inneren Exil, 
vernetzt in Oberflächen Unterwanderungen folgt im Jetzt das
auftauchen vagabundierender Kunst & Wunderkammern. 

​

Vita 
Rainer Görß 
geboren 1960 Neustrelitz,in Berlin getauft,aufgezogen,alphabetisiert,belehrt,eingezogen.1967/84 Bitterfelder Weg/Tramp/VEB Arbeiter/Koch/Bühnentechniker Deutsches Theater/Obermatrose NVA.Kunstzirkel/Abendstudium bei R.Rehfeld, W.Goes, R.Winkler.Bühnenbildstudium/MalereiStudien/Diplom Kunsthochschule Dresden bei G.Hornig/ J.Heisig.
Gruppen-,Einzelausstellungen & Projekte in :
Deutschland,Italien,Frankreich,Grossbritannien,Österreich,Polen,Russland,Griechenland,USA,Canada;Chile,Australien,Neuseeland,
Brasilien,Japan,Singapur,Lybien,Kamerun,vereingte Emirate.
  • http://www.untergrundmuseum.de/Unterseiten/RainerGoerssCV.html
  • https://www.facebook.com/events/683363751804225/
​
​​Kuratiert von Konstantin Kopietz

EDGAR ZIPPEL

PHOTOGRAPHS 1983 - 2016
​

The Young Europeans
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Davide, 2011, Italy/Sardinien
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Mohanad, 2015, LaGeSo/Berlin
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Melanie, 2016, Marzahn - Hellersdorf/Berlin

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Grand Canyon, 1983, USA
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Drwar, 2014, Bosnien - Herzegowina aus "AFTER THE WAR"
 Vernissage 18.03.2015, 19 Uhr 

Vom 18.03. -24.03.2016, täglich von 16:00 bis 19:00 Uhr 

Special guest: Audiovisual Performance von u-matic & telematique
* The project "AFTER THE WAR" was realized with the help of funds from VB-Bildkunst

Edgar Zippel studied photography and film/video at the University of Essen (Folkwangschule) and
finished with diploma.

He is based in the heart of Berlin, going from there wherever he is needed to go, either for personal projects
or commissioned work.
​
His works are in the collections of Hygiene-Museum Dresden, Ruhrmuseum Essen, Museum Europäischer
​Kulturen Berlin and Deutsches Historisches Museum Berlin
www.edgarzippel.de     |      Katalog

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06.03.-17.03.2016

Moskau - Minsk

 
Fotografieausstellung von Sandra Ratkovic und André Fischer
 
Vernissage:
Samstag, 05.03.2016, 19 Uhr

 
Russland und Belarus liegen anders als westeuropäische Länder oder Amerika oftmals außerhalb des Fokus (west-)europäischer Fotografen. Die bei Aufenthalten in Russland und Belarus 2015 entstandenen Fotografien der Ausstellung „Moskau - Minsk“ werfen mit Bildern in der Tradition der „Street Photography“, aber auch mit klassischen Schwarz-Weiß-Ansichten einen Blick auf die Hauptstädte der beiden osteuropäischen Staaten. Neben vertrauten Bildern zeigen sie dabei auch dem deutschen Betrachter Ungewohntes - beispielsweise bei der Thematisierung der militärischen Gedenkkultur, die in monumentaler Architektur, im Alltag oder bei Inszenierungen zu Feiertagen ihren Ausdruck findet.
 



 Kuratiert von Konstantin Kopietz

NOV 28 - DEC  2
BETWEENS

Exhibition Opening:
28.11.2015, 7 pm

Photographs by: Anatoly Rudakov & Stéphanie Bonn

Curated by: Sandra Ratkovic & Leo Kuelbs

More info:

http://www.leokuelbscollection.com/betweens

About Betweens:
This exhibition explores states of transition in people, time, and places. In silhouettes, light and shade. The transition between accepted consciousness and a place apart. Between the real and the unreal.


Anatoly Rudakov
This transitions, the “Betweens,” can be found in the abstract landscapes and city scenes of Anatoly Rudakov, Russian ­photographer and former cameraman (*1951). By moving his photo camera in a precise, yet very intuitive manner, Rudakov blurs reality and the distorts the documentary function of photography; and thereby shifts the witnessed images into a different place– a new level, a different piece of the puzzle of our mosaic of consciousness. His photographs resemble paintings and sudden dream sequences. Reality is transposed into something new. Rudakov’s photographs are shown around the world. He worked as camera man for Central TV Moscow and Soviet TV Bureau in London and was awarded prizes at International Photography Awards Los Angeles (2013) and International Fine Art Photography Award Paris (2014).
http://www.rudakov.d
Stéphanie Bonn
The photographs of Stéphanie Bonn, French photographer (*1971) and recent Graduate of the Ostkreuz School, were taken at the world-famous Christian pilgrimage site of Lourdes, France. Stéphanie Bonn travelled to Lourdes several times over many years and took unique documentary photographs at this famous religious site where miracles and transcendent phenomena are considered commonplace.
Her photo series captures the unreal atmosphere fostered in this place of fervent belief and worship. She employs the means of modern contemporary photography including spontaneous snapshot aesthetics and a bold use of flash.Her photo series was recently shown in Vice Magazine. She graduated at the Ostkreuz School class of Ute Mahler.
www.stephaniebonn.com
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​DEC 3 - DEC 11

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 Kuratiert von Konstantin Kopietz


​DEC 12 - DEC 21
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OPEN: 14.00 - 20.00 daily
CLOSED: Sun & Mon

VERNISSAGE / 12 December / 7 - late

Guaranteed Quality

​
A stamp of approval is pre-assigned to this Druck Berlin pop-up shop, as all products available will be of Guaranteed Quality throughout. We're keeping it simple with our walls and displays reserved only for Prints, Art books and Sloe Gin.

Our print collection this December will showcase special pieces pulled from our archives and never seen one off's. Although quite a number of the prints are also totally fresh off the press and newly released. If you didn't make it to the main Druck Berlin event, which last took place in August this year, then come on by as we'll be revisiting the best prints from the original exhibition, too.

If you're not familier with Sloe Gin, you're in for a treat! We've made our own batch this year from locally sourced berries. At our vernissage on the 12th December we welcome you to join us for a complimentary Sloe Gin Fizz. We'll also have small hand printed bottles of it if you like it enough to want to take more home.

NEW PRINTS
Marcos Torres .  Julia Steinberg .  James Marsh .  Shannon Gia .  Sarah Gregson .  Dolly Demoratti .  Vincent Hulme .  Hiro .  Drew Simpson

UNFORGETTABLE PRINTS
Victor Ash .  Blue & Joy .  Shephard Fairey .  Louise Dear . Design & Others .  Bonnie & Clyde .  Maria Rivans .  Sac Magique .  Noah Schloss


FATA MORGANA . TORSTRAßE 170 . 10115 . BERLIN . DE


INFO@FATAMORGANAGALERIE.COM

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